Transformación del Arte Contemporáneo en la 12ª edición de Swab Barcelona Art Fair

Descubrir propuestas artísticas innovadoras y conocer de primera mano a artistas locales e internacionales que apuesten por explorar los límites de la expresión. La Feria Internacional de Arte Contemporáneo Swab Barcelona Art Fair ha vuelto a abrir sus puertas hasta el próximo domingo en el Pabellón Italiano de la Fira de Montjuïch.

Creadores que abren paso al que será el futuro escenario del arte contemporáneo. Con esta premisa su Director Joaquín Díez- Cascón daba el pistoletazo de salida ayer jueves durante el pase de prensa a la que ya es su 12a edición, confirmando la presencia de 75 galerías procedentes de los 5 continentes. Una edición que además va a permitir gracias a la plataforma Artsy poder visitar la feria en tiempo real, así como comprar en todos los stands.

Cerca de 15.000 visitantes han visitado Swab en sus respectivas ediciones. Con el ánimo de superar esta cifra, este año propone diversos programas comisariados, premios y actividades que pretenden demostrar durante este fin de semana que esta cita ineludible con el arte contemporáneo puede ser mucho más que una feria.

Desde el Programa General, hasta el MYFAF (My First Art Fair) pasando por el Swab Emerging con galerías que ya han participado en ferias pero que cuentan con máximo 5 años de trayectoria; el Swab Seed; el Swab On Paper comisariado por Carolina Díez-Cascón con creaciones sorprendentes desarrolladas sobre este soporte; Ephemeral comisariado por Caterina Almirall que apoya el tejido creativo de la ciudad con la participación de artistas residentes en fábricas de creación de Barcelona como Hangar, La Escocesa y Fabra i Coats; Reading; México en Femenino que reivindica la posición de la mujer en este contexto a través de la obra de cuatro artistas; Swab Kids; Swab Performance y Swab Thinks; hacen que las actividades e iniciativas llevadas a cabo este año conviertan al arte contemporáneo en un reto con capacidad total de transformación.

En concreto el programa MYFAF da la oportunidad desde el 2011 a que una galería joven que no haya participado nunca en una feria pueda presentar su propuesta bajo el patrocinio total de la organización. Cuatro son las que en esta edición concurren en este apartado: Dilalica, Noadress Gallery, Soyuz e Hiato Projects que apuesta por ejemplo por obras tan rompedoras como las de la artista italiana Stefania Zocco.

Crear sinergias entre el público, los artistas, las galerías y los comisarios es uno de los objetivos de esta feria fundada en el 2006 por un coleccionista como Joaquín Díez-Cascón que deseaba unir dos de sus grandes pasiones: Barcelona y el arte contemporáneo. Una oportunidad única que permite desde intercambiar impresiones con alguien que representa la veteranía en el sector como es Pilar Carbonell, directora de Palmadotze ubicada en Santa Margarida i els Monjos y con nada menos que 30 años de experiencia, hasta charlar con el joven fótógrafo y artista chileno Felipe Lavin que participa por primera vez en la feria con obras digitales en formato audiovisual a través de la galería Factoría de Arte Santa Rosa.

Romper estereotipos propios de este mercado como son su imagen hermética y elitista no es un objetivo fácil para ninguna feria que se enfrenta a la opinión del público general. Aun así, Swab busca crear oportunidades entre los visitantes potenciando la iniciación al coleccionismo a precios accesibles y apostando por la adquisición de obras que lleven la firma de artistas con mucho talento que ofrecer.

Todo esto y mucho más es lo que te puedes encontrar si hasta el próximo domingo te acercas hasta la Fira de Montjuïch de Barcelona.

Texto: Inéditad

Fotografías: Lucas Amillano

Dreamy Photography by Henry Jimenez

Tenía 7 años cuando sus hermanos le regalaron su primera cámara analógica y desde entonces su pasión por la fotografía no ha hecho más que crecer. Nacido en el pueblo de Comalcalco, en el sur de México, Henry Jiménez se impregnó durante su infancia tanto de los escenarios naturales de selva y playa como de los paisajes urbanos. Elementos que ha sabido incorporar a sus proyectos de moda, de lifestyle y de retratos de influencers.

Con tan sólo 22 años recién cumplidos, comienza a ser uno de los fotógrafos emergentes más reconocidos. Éstas son algunas de las razones:


Descubre más sobre Henry Jiménez clickando AQUÍ.



Texto: Inéditad

Imágenes: Henry Jimenez.

El día que murió Marilyn

Tal día como hoy ella fallecía en su casa de Los Ángeles a causa de una sobredosis de barbitúricos a la edad de 36 años. Coincidiendo con el día en el que murió Marilyn, Inéditad recuerda a través de estas imágenes a la que fue y sigue siendo el mayor icono entre los iconos. Unas imágenes que guardan tras de sí una historia.

 

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© Milton H. Greene. 1955

 

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© Milton H. Greene. 1955

 

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© Milton H. Greene. 1955

 

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© Milton H. Greene. 1955

 

Corría el mes de junio de 1955, cuando Marilyn Monroe junto a Gene Kelly y dos amigos más condujeron en lo que era un caluroso día de verano hasta la casa de Richard y Dorothy Rodgers en Connecticut, a escasos kilómetros de donde se encontraba la mansión de Milton H. Greene, autor de estas instantáneas y en cuya piscina tuvo lugar una de sus sesiones fotográficas más improvisadas.

 

Marilyn Monroe from the Milton H. Greene Collection.

© Milton H. Greene. 1955

 

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© Milton H. Greene. 1955

 

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© Milton H. Greene. 1955

 

Marilyn Monroe

© Milton H. Greene. 1955

 

De hecho, gracias en gran parte a la profunda amistad que les unía, Milton Green fue uno de los fotógrafos que a lo largo de su vida más veces retrató a la icónica actriz en su entorno más íntimo, en concreto con más de 3000 fotografías.  

 

 

Durante más de cuatro décadas Greene fue uno de los fotógrafos más reconocidos de Estados Unidos. Nacido en Nueva York en 1922 empezó a fotografiar con tan solo 14 años. Marilyn Monroe le conoció precisamente en una sesión de fotos para la revista Look en 1953.

 

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El fotógrafo Milton Greene y la actriz Marilyn Monroe. 1955

 

Texto Inéditad.

Imágenes: © Milton H. Greene. 1955

 

Cuando la melancolía se convierte en Arte. Por Michele del Campo

El brillo del Mediterráneo presente en su pueblo natal es también protagonista de la obra de este artista criado en San Nicandro Garganico, al sur de Italia. Michele Del Campo dejó esta pequeña localidad rural para formarse en Bellas Artes en Milán y posteriormente en Falmouth y Dundee (Reino Unido), para terminar licenciándose en la Universidad Complutense de Madrid.

 

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© Michele del Campo The Bath Óleo sobre lino. 2015

 

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© Michele del Campo The Breakdown Óleo sobre lino. 2018

 

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© Michele del Campo The Other Side Óleo sobre lino. 2011

 

Sus pinturas tratan aspectos tan trascendentales como el sentimiento de soledad, el aislamiento o la pérdida de identidad, siendo la melancolía un punto de dramatismo recurrente en unos personajes frecuentemente jóvenes.

 

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© Michele del Campo The Decision Óleo sobre lino. 2017

 

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© Michele del Campo The Rest Óleo sobre lino. 2014

 

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© Michele del Campo The Unicorn Óleo sobre lino. 2018

 

Técnicamente crea sus lienzos a partir de fotografías, así como de referencias en vivo, siendo sus obras en gran formato empleando el sistema húmedo sobre húmedo (wet on wet) una de sus grandes habilidades.

 

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© Michele del Campo The Apple Tree Óleo sobre lino. 2015

 

008 Michele del Campo The Way To Darkness 2011 Arte Online

© Michele del Campo The Way To Darkness Óleo sobre lino. 2011

 

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© Michele del Campo The Abandonment Óleo sobre lino. 2012

 

Michele del Campo ha protagonizado exposiciones individuales en Italia, España, Reino Unido, Suiza y Perú. Entre sus galardones se encuentra el Premio BMW en el año 2006 entregado por la Reina Sofía.

 

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© Michele del Campo en su estudio

 

Texto: Inéditad.

Imágenes vía: http://micheledelcampo.com/

 

 

 

 

 

Iván Lozano. Explorando el origen del deseo

Para Iván Lozano (Huelva, 1994) es prácticamente imposible poner límites al arte. Él lo define como una forma de contar cosas a través de un soporte infinito. Ya sea en pintura, fotografía o sobre una tela, lo esencial para él es saber legitimar el medio que se emplea y sobre todo defenderlo.

 

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© Iván Lozano

 

“El observador externo gestiona la mirada de la belleza de los cuerpos masculinos, localizando la atención en su anatomía o en la sexualidad que irradian.”

 

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© Iván Lozano

 

Aunque proviene de la pintura tradicional, este joven artista actualmente utiliza tan solo la tableta gráfica. La versatilidad de los pinceles de Photoshop le permite explorar diferentes texturas que simulan el óleo o el carboncillo, pero con la ventaja de que las correcciones se pueden hacer de forma rápida, así como las pruebas de color, el alterar capas por separado o cambiar la luz.

 

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© Iván Lozano

 

“Contemplar tales imágenes estimula el deseo y, al mismo tiempo, hace recapacitar y reflexionar sobre el origen de este.”

 

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© Iván Lozano

 

La obra de Iván Lozano hace hincapié en una nueva forma de contemplar al hombre y en los valores que este transmite, enseñando un nuevo código visual que amplía nuestras nociones sobre qué vale la pena mirar y qué tenemos derecho a observar. En sus propias palabras, lo que inquieta es especialmente la manera en que presenta sus composiciones, su forma de ensalzar el contenido o transmitir el mensaje. Él plasma en imágenes todo aquello que atrae, y el observador externo gestiona la mirada de la belleza de los cuerpos masculinos, localizando la atención en su anatomía o en la sexualidad que irradian. Contemplar tales imágenes estimula el deseo y, al mismo tiempo, hace recapacitar y reflexionar sobre el origen de este.

 

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© Iván Lozano

 

“Un nuevo código visual que amplía nuestras nociones sobre qué vale la pena mirar y qué tenemos derecho a observar.”

 

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© Iván Lozano

 

Graduado en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla y cursando actualmente Diseño de Moda en Madrid, Iván Lozano compagina sus estudios con proyectos profesionales, trabajando para marcas de moda como Davidelfin y haciendo colaboraciones tanto con diseñadores como con fotógrafos. Este último caso es el de Kito Muñoz, con el que está participando en un nuevo proyecto que verá la luz muy pronto.

 

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© Iván Lozano

 

Texto: Inéditad.

Imágenes cedidas por Iván Lozano.

Fotografiando a Mandela

Hoy 18 de julio se han cumplido 101 años del nacimiento de Nelson Mandela.

Inéditad rinde homenaje a esta gran figura del siglo XX a través de la visión de 9 fotógrafos que lo retrataron en diferentes momentos de su vida.

“Nuestro temor más profundo no es que seamos inadecuados.
Nuestro temor más profundo es que somos excesivamente poderosos.
Es nuestra luz, y no nuestra oscuridad, la que nos atemoriza.
Nos preguntamos: ¿quién soy yo para ser brillante, magnífico, talentoso y fabuloso?
En realidad, ¿quién eres para no serlo? Infravalorándote no ayudas al mundo.
No hay nada de instructivo en encogerse para que otras personas no se sientan inseguras cerca de ti.
Esta grandeza de espíritu no se encuentra solo en algunos de nosotros; está en todos.
Y al permitir que brille nuestra propia luz, de forma tácita estamos dando a los demás permiso para hacer lo mismo.
Al liberarnos de nuestro propio miedo, automáticamente nuestra presencia libera a otros”.

Poema de Marianne Williamson recitado por Nelson Mandela tras ser elegido presidente de Sudáfrica en 1994.

 

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© Eli Weinberg 1961

 

002. Jürgen Schadeberg 1952.j-Nelson Mandela en su despacho de abogado la cual compartía con Oliver Tambo

© Jürgen Schadeberg 1952

 

003. Jürgen Schadeberg Nelson Mandela en su celda de Robben Island cuando la visitó de nuevo en 1994

© Jürgen Schadeberg 1994

 

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© George Hallett

 

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© Annie Leibovitz 1990

 

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© Hans Gedda 1990

 

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© Gavin Schneider

 

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© Yousuf-Karsh

 

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© Greg Bartley 1990

 

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© Morten Krogvold

 

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© Keith Bernstein

 

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© Adrian Steirn 2011

 

Texto: Inéditad

Imagen de portada: Nelson Mandela fotografiado en Londres por © Greg Bartley en el año 1990.

¿Estamos educados para respetar el inmenso valor cultural que representa el arte?

Tristes polémicas que no hacen más que recordarnos el largo camino que aún nos queda por recorrer para apreciar tanto la esencia como el poder reivindicativo y cultural del arte. Esta obra del artista murciano Sam3 reinterpreta sobre una valla publicitaria el célebre cuadro “El origen del mundo” del pintor francés Goustave Courbet, máximo representante del Realismo y pieza clave del Museo d’Orsay de París, una de las pinacotecas más importantes del mundo.

 

 

Esta adaptación forma parte del proyecto “Reversible” organizado por Madrid Street Art Project en colaboración con el Ayuntamiento de Rivas Vaciamadrid en el que trece artistas nacionales e internacionales han expuesto sus obras sobre vallas publicitarias trasladando lo que realmente es obsceno al hecho de que estos elementos invadan nuestros paisajes y nos conviertan en prisioneros de unos mensajes que raras veces son tema de debate.

 

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© Sam3

 

Pues bien, a petición de la dirección de un centro escolar cercano que consideran que esta obra es ofensiva e inapropiada para sus alumnos, el consistorio se ha visto obligado a tapar temporalmente la valla con el objetivo de que ésta fuese reubicada en otro contexto donde “no se anulase el mensaje de la obra“.

 

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© Sam3

 

Afortunadamente las últimas informaciones indican que el Ayuntamiento dejará la instalación donde está y completamente al descubierto. En cualquier caso, habría sido interesante haber tenido en cuenta desde el principio la intención con la que el artista ha hecho este trabajo, apreciando por ejemplo que cuando uno se acerca a él para contemplarlo con mayor detenimiento, lo que descubre en realidad es un paisaje formado por hormigas, pinos, briznas y arena, subrayando así la relatividad de las cosas y lo subjetivo que precisamente puede llegar a ser lo que se considera obsceno de lo que no.

 

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© Sam3

 

Sin ir más lejos el cuadro original de Courbet también fue censurado en su momento por parte de sus anteriores (y discretos) propietarios hasta que desde 1995 quedase expuesto de forma definitiva en el Museo d’Orsay. Un museo que por otro lado recibe cientos de visitas de colegios al año, pero sin embargo nosotros nos escandalizamos porque una versión de uno de sus cuadros más significativos se exponga en público.

 

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© Sam3

 

Sin embargo en todo lo anterior hay una invitación a la reflexión. ¿Habría tenido lugar la misma reacción pública si la intención del artista hubiera sido lo suficientemente comunicada y/o trasladada? O dicho de otro modo, ¿se debería trabajar más en construir puentes entre el proceso creativo del artista y el propio ciudadano de a pie? ¿se habría evitado de ser así que Facebook se presentase ante la justicia francesa por ser demandado en el 2011 por un usuario al que bloquearon su cuenta automáticamente y sin previo aviso tras publicar la obra de Courbet en su perfil?

Probablemente las incongruencias algorítmicas de las redes sociales no tengan solución, pero quizá las del razonamiento humano todavía sí.

 

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© Sam3

 

Texto: Inéditad

Fuente: https://www.publico.es/culturas/ayuntamiento-rivas-tapa-grafiti-sam3.html

Imágenes: https://www.instagram.com/sam3.es

 

 

 

Todo un renovador de la fotografía del siglo XX. El legado de Oriol Maspons se expone en el MNAC

Fue en el 2011 cuando Oriol Maspons (1928-2013) cedió al MNAC (Museo Nacional d’Art de Catalunya) su archivo fotográfico compuesto por 7.000 imágenes en papel, negativos y diferentes materiales muchos de ellos inéditos. Tras ocho años de catalogación y digitalización de su legado se inaugura precisamente en este espacio la exposición “Oriol Maspons, la fotografía útil. 1949 – 1995” comisariada por Cristina Zelich.

 

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Retrato de la modelo y diseñadora de joyas Elsa Peretti (1966). © Oriol Maspons

 

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Fotografía del libro “Caminando por las Hurdes” (1960). © Oriol Maspons

 

Se trata de la mayor retrospectiva hasta la fecha que se ha llevado a cabo del trabajo de este fotógrafo barcelonés que no sólo fue representante de la gauche divine sino de una fotografía calificada por él mismo como necesaria para narrar el momento que se estaba viviendo. Una fotografía aplicada y de utilidad que lo convertiría sin duda en notario de su tiempo.

 

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Mujeres bailando (París, 1956). © Oriol Maspons

 

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Serrat, Núria Feliu y Raimon (1967). © Oriol Maspons

 

Cuatro décadas vistas a través de 530 instantáneas y 200 documentos que retratan con su particular lenguaje visual desde la Ibiza de los años 50 hasta la isla de Cuba o el Sudáfrica de los 70, pasando por Las Hurdes de Cáceres o el barraquismo del Somorrostro sin dejar de capturar también las calles de París o de Londres con fotografías que nunca se habían llegado a publicar como las del terremoto de Managua de 1972.

 

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Monique, primer biquini de Ibiza (1954).  © Oriol Maspons

 

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Irma (1966). © Oriol Maspons

 

Autor de libros y de portadas de discos, colaborador en revistas como La Gaceta IlustradaDestino, Triunfo, Interviu, Bocaccio o Paris-Match; Oriol Maspons convirtió su afición en profesión demostrando con su obra ser uno de los grandes renovadores de la fotografía de la segunda mitad del siglo XX.

 

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Somorrostro (1958). © Oriol Maspons

 

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Carlos Barral. © Oriol Maspons

 

 “Oriol Maspons, la fotografía útil. 1949 – 1995. Sus tesoros ocultos y no tan ocultos hasta el 12 de enero en el MNAC.

Texto: Inéditad

Fotografías: Archivo Fotográfico Oriol Maspons / MNAC

 

 

 

Un cuerpo desnudo. Una habitación. Fotos 100% Iphone. Squinem by Mario Cantos

Hace bastante tiempo que este editor de vídeo y DJ Techno residente en el barcelonés barrio del Raval quería poner a prueba su habilidad fotográfica transformando en imagen lo que visualizaba en su mente. De esta manera, sin materiales, sin utilizar cámaras profesionales y creando formas empleando únicamente la luz natural, las sombras y el cuerpo masculino fue como Mario Cantos (Granollers, 1986) inició su proyecto Squinem.

 

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Squinem es prácticamente un viaje en modo voyeur en el que el espectador se dirige hacia un espacio íntimo. Un lugar donde de forma casi clandestina se convierte en testigo de la belleza que genera la desnudez al interaccionar con elementos como el sol, las plantas o las cuatro paredes de una habitación. Porque en esa habitación casi escondida Mario construye su universo fotográfico y de ella toma además el nombre de la exposición que hoy jueves 4 de julio a las 20:00 se inaugura en Bacanal Café de la mano de Stage Media Agency.

 

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“Room” es la materialización de un proyecto tanto personal como profesional. Aproximadamente 42 obras en pequeño y mediano formato que ponen en valor no solo el resultado de crear formas jugando con la composición y el espacio, sino como haciendo uso tan solo de la cámara de un móvil pueden lograrse imágenes de excelente calidad. En palabras de su autor, si te gusta la fotografía pero no dispones de un gran equipo para hacerlas que esto no sea un impedimento, porque si sabes usarla dispones de una buenísima herramienta en tu bolsillo.

 

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Podrás ver Squinem “Room” hasta el 15 de septiembre en Sepúlveda 164 de Barcelona.

 

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Texto: Inéditad

Imágenes: https://www.instagram.com/squinem

 

El Arte de Desvestir a la Masculinidad

Cuando Miguel Ivorra (Elche, 1973) dejó hace 18 años su trabajo en la industria del calzado para dedicarse en cuerpo y talento a la profesión de ilustrador, no sabía probablemente que estaba tomando una de las decisiones más acertadas de su vida. Quien apuesta por su verdadera vocación rara vez se equivoca.

 

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Su predisposición para dibujar ya le estaba esperando desde muy temprana edad. Su familia se percató de ello en el mismo instante en el que el primer lápiz cayó en sus manos, motivo por el cual le inscribieron en la ya desaparecida Escuela de Pintura Hort del Xocolater en su Elche natal. Años después, y ya viviendo en Barcelona, ganó una convocatoria artística en el Centro Cívico de Sant Andreu. Un hecho que fue determinante para él. Su innata condición de artista estaba llamando de nuevo a su puerta y no dudó en abrirla al trasladarse a Reino Unido, donde estudió Bachillerato Artístico en el Brighton and Hove City College y Bellas Artes en la University of East London.

 

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Tras siete años en Londres, regresó a Barcelona y huyendo en parte del tipo de obra conceptual en el que se había formado en la capital británica, decidió volcarse plenamente en su faceta como ilustrador volviendo a la esencia del dibujo y de la pintura. Fue en ese preciso momento cuando se produjo el nacimiento artístico de MIVO.

 

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Con el arranque de Mivo eclosionaba también de forma definitiva una de sus mayores habilidades: retratar a la masculinidad como si ésta fuera observada a través de una cerradura, siendo capaz de reproducir en múltiples técnicas como grafito, bolígrafo, rotuladores, tinta, acuarela, guache o acrílico escenas íntimas que reinterpretasen al hombre moderno.

 

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Y es precisamente esa ventana a la intimidad el eje central de UNDRESSED, la exposición que el próximo 29 de junio va a inaugurar coincidiendo con la celebración del Orgullo en la galería Mad is Mad. Unas obras cercanas al cómic y con un estilo algo naïf con las que Mivo ha sabido llevar a cabo su particular caricatura de la masculinidad. Amor, deseo, anhelo y erotismo vistos a través de unos 50 retratos en pequeño formato en los que la mayoría de los personajes se muestran desnudos o desvistiéndose. Hombres aparentemente toscos que sin embargo tratan de acercarnos a su lado más emocional y vulnerable.

 

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Con UNDRESSED Mivo se muestra fiel a su discurso demostrando que el arte es un motor que genera y construye formas, imágenes e incluso ideas con la potencia necesaria para acercarnos a otras realidades y darles su merecida visibilidad.

 

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“Undressed” se podrá ver (y no precisamente desde un agujerito) hasta el 18 de septiembre en la calle Pelayo 48 de Madrid.

 

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Texto: Inéditad. Nota de Prensa para Mivo en su exposición “Undressed”.

Imágenes cedidas por Mivo.