Iván Lozano. Explorando el origen del deseo

Para Iván Lozano (Huelva, 1994) es prácticamente imposible poner límites al arte. Él lo define como una forma de contar cosas a través de un soporte infinito. Ya sea en pintura, fotografía o sobre una tela, lo esencial para él es saber legitimar el medio que se emplea y sobre todo defenderlo.

 

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© Iván Lozano

 

“El observador externo gestiona la mirada de la belleza de los cuerpos masculinos, localizando la atención en su anatomía o en la sexualidad que irradian.”

 

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© Iván Lozano

 

Aunque proviene de la pintura tradicional, este joven artista actualmente utiliza tan solo la tableta gráfica. La versatilidad de los pinceles de Photoshop le permite explorar diferentes texturas que simulan el óleo o el carboncillo, pero con la ventaja de que las correcciones se pueden hacer de forma rápida, así como las pruebas de color, el alterar capas por separado o cambiar la luz.

 

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© Iván Lozano

 

“Contemplar tales imágenes estimula el deseo y, al mismo tiempo, hace recapacitar y reflexionar sobre el origen de este.”

 

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© Iván Lozano

 

La obra de Iván Lozano hace hincapié en una nueva forma de contemplar al hombre y en los valores que este transmite, enseñando un nuevo código visual que amplía nuestras nociones sobre qué vale la pena mirar y qué tenemos derecho a observar. En sus propias palabras, lo que inquieta es especialmente la manera en que presenta sus composiciones, su forma de ensalzar el contenido o transmitir el mensaje. Él plasma en imágenes todo aquello que atrae, y el observador externo gestiona la mirada de la belleza de los cuerpos masculinos, localizando la atención en su anatomía o en la sexualidad que irradian. Contemplar tales imágenes estimula el deseo y, al mismo tiempo, hace recapacitar y reflexionar sobre el origen de este.

 

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© Iván Lozano

 

“Un nuevo código visual que amplía nuestras nociones sobre qué vale la pena mirar y qué tenemos derecho a observar.”

 

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© Iván Lozano

 

Graduado en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla y cursando actualmente Diseño de Moda en Madrid, Iván Lozano compagina sus estudios con proyectos profesionales, trabajando para marcas de moda como Davidelfin y haciendo colaboraciones tanto con diseñadores como con fotógrafos. Este último caso es el de Kito Muñoz, con el que está participando en un nuevo proyecto que verá la luz muy pronto.

 

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© Iván Lozano

 

Texto: Inéditad.

Imágenes cedidas por Iván Lozano.

Abrimos el telón del microteatro de la mano del director y guionista Xavier Miralles

Inéditad te invita a que te adentres en el sorprendente mundo del microteatro de la mano de este joven director y guionista que lo está petando con su última obra en cartel en el espacio Microteatre Barcelona. Licenciado en Comunicación Audiovisual por la Universitat Autònoma de Barcelona y Máster en Dirección Cinematográfica en la ESCAC, hoy en el blog Inéditad entrevista a Xavier Miralles, autor de “Los Chicos Boreales”.

 

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I.- Xavier, empezamos con una pregunta a priori sencilla pero que quizá su respuesta pueda resultar complicada. ¿Cómo se definiría profesionalmente Xavier Miralles? ¿Y personalmente?

X.M.- Creo que ambas van muy ligadas, porque precisamente lo que intento aplicar a mi profesión es justamente lo que caracteriza mi vida personal. Siempre intento escribir desde los problemas que me ocupan en ese momento, las inquietudes que tengo o las vivencias más significativas. De hecho, la mayoría de las veces uso mis historias como canal para quitarme de encima aquello que quiero purgar para que mi vida esté tranquila. Soy muy sentimental y me gusta hacer todas las cosas con pasión, sin eso creo que nada tiene sentido. También soy metódico y disciplinado, estricto con el trabajo. En la parte personal intento renovarme siempre, aprendiendo de la gente que me rodea y dejando puertas abiertas para ver qué partes de mí me quedan por conocer. Esa es la única forma de seguir creciendo en esta profesión: no ser consciente de todo lo que eres realmente.

 

I.- ¿En qué momento te sentiste seducido por las artes escénicas?

X.M.- Siempre me gustó llevar el mando en las funciones que hacíamos en el colegio. Me gustaba disfrazarme y hacer el loco de todas las formas posibles. También escribía cuentos sin parar y se los contaba a mis compañeros y a las profesoras. Con el tiempo se transformó en pasión por el cine. Podría decir que el punto clave fue en Bachillerato, cuando decidí hacer mi trabajo final sobre la interculturalidad a través del cine. Ahí decidí que yo también quería contar historias.

 

“una de las mayores satisfacciones de este proceso está siendo ver cómo gente de diferentes sexos, orientaciones sexuales y edades conectan con los personajes por igual”

 

I.- ¿Cómo comenzó tu relación con Microteatre Barcelona?

X.M.- Cuando en enero de 2016 seleccionaron mi obra Salsa Golf. No me atrevía a presentar nada, pues le tengo mucho respeto al teatro, pero un amigo actor no paró de insistirme y finalmente me animé. Dado que el formato comparte mucho con el mundo del cortometraje, por su dimensión y cercanía, pensé que podría defenderlo. Y fíjate, de ahí a estar estrenando mi undécima obra en Microteatre.

 

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I.- ¿Cómo nació el proyecto de “Los Chicos Boreales”?

X.M.- Pues realmente fue durante una sola noche. Quería hablar sobre el dolor que sentimos cuando alguien no nos quiere y, a la vez, entender a la otra parte, al causante de este dolor. Ambos sufren en una situación así y eso me interesaba. Me puse a escribir sobre Javi y Marc y no pude parar hasta terminarla.

 

“soy muy sentimental y me gusta hacer todas las cosas con pasión, sin eso creo que nada tiene sentido”

 

I.- ¿Qué sensaciones te gustaría despertar entre los espectadores de “Los Chicos Boreales”?

X.M.- Identificación. Creo que todo el mundo puede sentirse parte de la historia, pues todos hemos estado en uno de los dos lugares o, incluso, en ambos. Es un regalo ver que esto le pasa a la gente cuando ve la obra. De hecho, una de las mayores satisfacciones de este proceso está siendo ver cómo gente de diferentes sexos, orientaciones sexuales y edades conectan con los personajes por igual. Al final, el amor no entiende de nada más que de eso, de amor.

 

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I.- Si no me equivoco, con “Los Chicos Boreales” se cumple el undécimo estreno de una de tus obras en Microteatre Barcelona. ¿Qué ventajas consideras que ofrece representar obras de 15 minutos para 15 espectadores en 15 m2 respecto a lo que podríamos llamar teatro más convencional?

X.M.- La más importante es la cercanía, tanto en el espacio como el tiempo. En esos menos de 15 m2 puedes lograr meter a la gente dentro de un espacio en el que tienen los actores a menos de un metro. Si consigues hacer lo mismo con el poco tiempo que tienes, la sensación es de estar viviendo junto a ellos una porción de realidad. Eso no lo permite ningún otro formato. Puedes verles casi transparentemente, olerlos y oír sus voces sin que tengan que proyectarlas más de la cuenta. Lo que ves es tan real que, a veces, sientes que estás invadiendo un espacio de intimidad.

 

I.- ¿Hasta qué fecha podremos disfrutar de “Los Chicos Boreales?

X.M.- Estuvimos programados durante el mes de marzo y gracias a la buena acogida hemos prorrogado hasta el 25 de mayo. Quedan ya muy pocos días.

 

“lo que ves es tan real que, a veces, sientes que estás invadiendo un espacio de intimidad”

 

I.- ¿Qué pueden hacer las artes escénicas por la diversidad de identidad sexual y de género?

X.M.- El arte, en general, es una arma en positivo que tiene la capacidad de mostrar muchas más cosas de las que podemos ver en nuestro día a día. La visibilidad es para mí lo más importante que pueden aportar las artes escénicas. Llevamos cientos de años con historias de personajes heterosexuales y los datos de taquilla en el cine, por ejemplo, reflejan que una película con personajes homosexuales no puede alcanzar los mismos datos que las películas con personajes heterosexuales. Los datos vienen dados porque el público heterosexual no se identifica, habitualmente, con una historia protagonizada por personajes LGTB. Yo llevo toda mi vida viendo esas películas de heterosexuales, me he emocionado con ellas y he vivido sus personajes. Así que ahora es el momento de que todo el mundo se pueda identificar con las nuestras. Con las historias de personajes del colectivo LGTB. Es por eso que voy a seguir escribiendo sobre ellos, sobre esos personajes que, gracias al arte, cada día están un poco más presentes.

 

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I.- Estoy convencido, y aprovecho el símil con el hecho de parir a una criatura, de que cada vez que finalizas un trabajo lo llegas a apreciar probablemente con el mismo cariño que al resto de tus anteriores obras; sin embargo, ¿te atreverías a decirme de cuál de ellas te sientes especialmente orgulloso hasta la fecha y por qué?

X.M.- Normalmente la gente no se moja con este tipo de preguntas, pero a mí me gusta mucho hacerlo. En el campo cinematográfico he dirigido muchos cortometrajes e incluso un largometraje. A pesar de tener algunos muy recientes de los que estoy muy contento, el que es más especial es Letargo, que se puede ver en Youtube. Una historia muy personal y que supuso un punto importante en mi desarrollo. Respecto al teatro, a pesar de tener mucho cariño a todas las piezas, destaco Los Chicos Boreales, por haber supuesto la fusión entre ser una pieza muy íntima y haber llegado a tantísimos espectadores. La experiencia está siendo impresionante.

 

I.- ¿Tienes algún referente de la escena teatral?

X.M.- Provengo del mundo cinematográfico, de donde he podido sacar más influencias. La verdad es que siempre me he guiado por lo que a mí me nacía hacer, sin querer tomar referentes. Al inicio de mi carrera estaba muy marcado por referentes del cine de terror de los años 90, pero mis temáticas fueron derivando poco a poco a otros géneros como la comedia y el drama. Ahora mismo creo que mezclo influencias del cine americano en términos de realización y el contenido se asemeja más a las piezas intimistas del cine europeo. Creo que Woody Allen es un gran referente de comedia, pero en el drama debo decir que sigo mi instinto propio.

 

“yo llevo toda mi vida viendo esas películas de heterosexuales, me he emocionado con ellas y he vivido sus personajes. Así que ahora es el momento de que todo el mundo se pueda identificar con las nuestras”

 

I.- ¿Qué pieza del teatro universal sería tu preferida?

X.M.- ¿Puedo contestar en cine? Amarcord, de Federico Fellini, es mi película favorita. Así como también La Dolce Vita. Fellini es lo más.

 

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I.- Para terminar, ¿qué planes profesionales (y que se puedan contar) tienes próximamente?

X.M.- Me meto en demasiados líos. Llevo ya mucho tiempo tirando adelante dos proyectos de largometraje, a la espera de ver cuál de los dos ve la luz primero. Por otra parte he terminado de rodar mi último cortometraje, titulado Transform(arte), que empieza su edición próximamente. En teatro empezaré a desarrollar el guión de mi primera obra larga que, aunque no quiero contar mucho, tiene mucho que ver con Los Chicos Boreales. Y, por último, estoy en pleno proceso de escritura de mi primera novela. Es posible que con tantas locuras a las que me apunto termine por morir de cansancio y no termine ninguna. ¡Crucemos los dedos!

 

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Este fin de semana concluye la representación de “Los Chicos Boreales” en Microteatre Barcelona. Si estás en la Ciudad Condal no pierdas la ocasión de disfrutar de 15 minutos de pura emoción a un precio que ni te lo creerás. Rompe el mito de que ir al teatro es caro con una fórmula que sin duda alguna te va a enganchar.

Últimas funciones desde el jueves 23 de mayo al domingo 26. Consulta los horarios AQUÍ.

Gracias Xavier por conceder a Inéditad esta entrevista. Te auguramos muchísimos éxitos porque el talento está claro que lo llevas contigo. 

 

Texto: Inéditad

Imágenes cedidas por Xavier Miralles.

Jon Gómez de la Peña y el Arte Drag. “Los maricones tenemos muchísimo que agradecer a nuestras drags locales”.

Durante tres meses Jon Gomez de la Peña ha estado desarrollando un sugerente proyecto con el que ha pretendido hacer un retrato muy personal del universo drag en Barcelona. Un trabajo elaborado con mucha elegancia y respeto contando con la participación del diseñador gráfico Miguel Cano y el material de Ramen.tv en el que ha dejado de lado momentáneamente la producción videográfica para volcarse de pleno en el papel de fotógrafo y entrevistador. Diez reportajes en los que ha puesto el objetivo sobre diez drags que saben hacer de su profesión un arte y que desde el pasado 14 de marzo se publican cada jueves en Fantastic Mag en colaboración con su director Raül de Tena.

Inéditad ha querido saber más sobre lo que hay detrás de esta fascinante idea y por ello ha entrevistado a Jon Gómez de la Peña para que nos cuente en primera persona el cómo, el cuándo y el por qué de esta propuesta que te dejará de todo menos impasible.

 

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Mar  © Jon Gómez de la Peña

 

Jon, ¿en qué momento empezó tu interés por el mundo drag?

De pequeño me fascinaba todo lo que supusiera saltarse las normas de lo que es masculino o femenino, de lo que es un hombre o una mujer. De alguna forma, considero que la primera muestra de drag que me cautivó fue cuando en los animes japoneses un personaje era capaz de fluir de un género a otro con absoluta naturalidad, como es el caso de Sailor Urano en Sailor Moon, o Ranma. También el hecho de que se utilizaran voces femeninas para dar vida a un personaje con aspecto masculino sin que eso supusiera un problema o una pregunta dentro de la trama. Además, al crecer en Bilbao y tener entre nuestros tesoros locales a la Ochoa, las Fellini o incluso la figura de Josebita que es toda una institución, el concepto de drag siempre estuvo presente en una forma muy abierta y variada en mi imaginario.

 

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Raven  © Jon Gómez de la Peña

 

“las verdaderas heroínas las tenemos en nuestras ciudades, trabajando muy duro para abrir puertas, establecer nuevos discursos y cambiar los puntos de vista generación tras generación. Los maricones tenemos muchísimo que agradecer a nuestras drags locales”

 

Si no me equivoco, las entrevistas están centradas en la escena drag que existe en Barcelona. ¿Cómo se te ocurrió la idea?

Fue una cosa muy natural. Empecé a enterarme de fiestas o eventos donde se podía disfrutar de actuaciones drag de varios tipos diferentes como ocurre en Futuroa, Logia, La Federica, Pluma… y vi algo que me apetecía muchísimo capturar y fotografiar como si fuera una colección de cromos o posters de estrellas del pop noventeras. En Barcelona hay ahora mismo una escena tan rica, que hacer una especie de “inventario” para que la gente que no tiene relación directa con este mundo pueda ver la variedad de discursos y conceptos diferentes que puede englobar el arte del drag me pareció fascinante, y me puse a ello. Otro motivo es también el hecho de que muchas de las drags retratadas son personas que admiro y aprecio y con las que tengo una relación de amistad.

 

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Marina  © Jon Gómez de la Peña

 

En esta serie de entrevistas intentas sobre todo poner de relieve que el arte drag va más allá del mero entretenimiento y que éste pertenece por contra a un universo complejo y no siempre respetado. ¿Qué te gustaría que el público aprendiese a través de estos reportajes?

Simplemente que abran su mente a diferentes ideas y que lo hagan apreciando lo local. Drag Race está muy bien y es una suerte que exista en los tiempos en los que nos ha tocado vivir, pero las verdaderas heroínas las tenemos en nuestras ciudades, trabajando muy duro para abrir puertas, establecer nuevos discursos y cambiar los puntos de vista generación tras generación. Los maricones tenemos muchísimo que agradecer a nuestras drags locales.

 

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Ácido  © Jon Gómez de la Peña

 

“hay que mirar más allá, y conocer otros tipos de drag, otros discursos sobre el género, la sexualidad… RuPaul no es perfecto, ¡pero tampoco tiene por qué soportar el peso del mundo solo!”

 

Una vez finalizado tu proyecto, ¿qué conclusión has sacado respecto a la relación existente entre la comunidad drag y esta ciudad?

Que la ciudad está cada vez está más interesada, al menos en un entorno concreto, y sobre todo, que cada vez hay más y más personas que encuentran en el drag una forma de expresión a través de la cual presentar su discurso y que parece que esto va a seguir creciendo así que ¡es difícil afirmar si el proyecto está finalizado de todo!

 

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Raven  © Jon Gómez de la Peña

 

Por entrar en materia, ¿cuántas entrevistas forman parte del proyecto? ¿te costó mucho contar con la colaboración de sus protagonistas?

De momento he fotografiado y entrevistado a 10 drag queens, pero es posible que la cosa continúe justo por lo que te decía. En general, lo único difícil para contar con la colaboración de las protas fue cuadrar agendas. Todo el mundo ha tenido buena disposición y una actitud muy abierta.

 

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Ácido  © Jon Gómez de la Peña

 

Pregunta difícil y quizá comprometida: ¿ha habido alguna de las entrevistas que te haya impactado más que el resto? Y de ser así, ¿nos podrías adelantar el motivo?

La entrevista de Marina me resultó conmovedora por lo abierto, honesto y natural de sus respuestas, lo cual se corresponde totalmente con el carácter del personaje. También, la de Mar Bravo me parece super interesante por la profundidad conceptual que hay detrás de su Drag.

 

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Marina  © Jon Gómez de la Peña

 

“muchos medios de comunicación piensan que el drag sólo es interesante si quien lo hace es famosa y no lo consideran contenido cultural”

 

Además de las entrevistas, te has ocupado también personalmente de la parte fotográfica que las acompañ ¿Qué tal ha resultado esta experiencia detrás del objetivo?

Pues fue un reto autoimpuesto en realidad. Mi carrera profesional hasta ahora se ha centrado siempre en la producción de vídeo, pero la fotografía siempre ha sido una parte inherente de mi vida por varios motivos, y llevaba mucho tiempo queriendo quitarme complejos y dar el salto. Cuando pensé en hacer este proyecto, en lugar de hacerlo en vídeo decidí que era la ocasión y aunque los resultados no son en todos los casos tan buenos como desearía, -y esto es única y exclusivamente mi culpa y no la de las personas fotografiadas – me alegro de haberlo hecho así. Desde que empecé no he parado, así que poco a poco irán saliendo más cositas que he estado haciendo.

 

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Mar  © Jon Gómez de la Peña

 

En la primera entrevista en la que Raven es la protagonista afirma que el famoso programa de RuPaul no está avanzando con la misma velocidad con la que lo está haciendo el colectivo en estos momentos. ¿Cuál es tu opinión al respecto?

Estoy de acuerdo. Lo cual no significa que el producto no me guste o no tenga valor. RuPaul sigue siendo muy importante y si el colectivo ha avanzado a pasos tan agigantados en los últimos tiempos, es en gran parte gracias al programa y su popularidad. Además, hay que recordar que estamos hablando de televisión y un programa no puede hacer todo: conseguir saltar al mainstream, abrir puertas, ser moralmente intachable, mostrar talento, entretener… ¡todo a la vez es imposible! Por eso hay que mirar más allá, y conocer otros tipos de drag, otros discursos sobre el género, la sexualidad… RuPaul no es perfecto, ¡pero tampoco tiene por qué soportar el peso del mundo solo!

 

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Raven  © Jon Gómez de la Peña

 

¿Qué cosas has descubierto con este proyecto que a lo mejor antes de hacerlo desconocías?

Que en muchos medios de comunicación piensan que el drag sólo es interesante si quién lo hace es famosa, y que no lo consideran contenido cultural. Estoy muy contento de haber encontrado un hogar en Fantastic Mag porque Raül de Tena, quien se encarga de dar forma a los artículos es un profesional que trata el tema con el mismo mimo que yo, pero pensaba que los medios de comunicación estaban más evolucionados, y parece que esto sólo pasa en ciertos círculos.

 

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Mar Bravo  © Jon Gómez de la Peña

 

¿Te han inspirado estos reportajes de cara a llevar a cabo otros proyectos que nos puedas confesar?

Totalmente. El concepto de “coleccionable” es algo que he descubierto que puedo extrapolar de mi gusto personal a una forma de expresión artística. ¡Más colecciones están por llegar!

 

Nacido en Bilbao y residente en Barcelona. Cuando era pequeño Jon Gómez de la Peña soñaba con ser dibujante, veterinario, cantante, ingeniero e incluso Ally McBeal. Licenciado en Comunicación Audiovisual tiene un Master en Dirección de Fotografía para Cine y Vídeo y un Master en Creación y Diseño de Videojuegos.

 

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Fotografía de Jon Gómez de la Peña para Inéditad

 

Texto: Inéditad.

Fotografías Drags Jon Gómez de la Peña  con Diseño Gráfico de Miguel Cano y Material de Ramen .

Fotografía Jon Gómez de la Peña en exclusiva para Inéditad.

Descubre más sobre este proyecto cada jueves en Fantastic Mag.

 

Transformando el agua en arte. “Pool” de Raúl Álvarez.

Con motivo de su exposición individual “Pool” que hasta el 26 de abril puede visitarse en la galería coruñesa Monty Cuatro, Inéditad te invita a que conozcas un poco más sobre la obra de este técnico superior en artes plásticas cuya habilidad plasmando el agua sobre un lienzo es toda una virtud. Hoy el protagonista del nuevo post en el blog es el artista madrileño residente en A Coruña Raúl Álvarez.

 

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© Raúl Álvarez. Óleo sobre lienzo. Serie “Pool”.

 

El Arte según Raúl Álvarez:

Para mí el arte es mi vida. Es como una especie de medicina que me cura. Cuando estoy pintando en mi estudio no pienso en otra cosa que no sea expresarme y explicar de alguna manera como me siento o intentar transmitir sentimientos o sensaciones que nos son comunes a todos los seres humanos y que nos unen.

Creo que el arte tiene ese poder de emoción, de amor y de dejar algo de más o menos importancia para los demás, pero al fin y al cabo único porque es tuyo y te sale de las entrañas.

 

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© Raúl Álvarez. Óleo sobre lienzo. Serie “Pool”.

 

Tú técnica de cabecera:

Antes trabajaba en acrílico y acuarela, también algo con lápiz y grafito.

Desde hacer óleos por su versatilidad y su capacidad tonal y de poder trabajar la materia de una manera más amplia. Además da unos resultados que se adaptan más a lo que busco como resultado final en mis obras.

Según lo que vaya a trabajar o el resultado final que busque en la obra puedo trabajar con una técnica u otra.

 

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© Raúl Álvarez. Óleo sobre lienzo. Serie “Pool”.

 

El agua:

En todos estos años toda mi obra ha girado en torno a un elemento común que es el agua, aunque cada serie habla de cosas distintas es lo que me vale para que tengan un nexo de unión.

El agua en todas sus vertientes me parece un elemento muy complejo de trabajar y un reto pictóricamente hablando. Siempre encuentro algo para seguir trabajando en torno al agua y que sea más complejo y me suponga un reto para representarla.

Es una especie de seña de identidad de mi trabajo o por lo que más se me reconoce.

 

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© Raúl Álvarez. Óleo sobre lienzo. Serie “Pool”.

 

El futuro:

Sigo trabajando en el proyecto “Pool” porque mi intención es exponerlo en otras ciudades.

Además tengo la idea de retomar algún proyecto que empecé y dejé un poco de lado para desarrollarlo más y también exponerlo. También tengo pensado trabajar cuadros de retrato y una serie en la que no aparece el agua o aparece de una manera muy sutil o secundaria, casi como un guiño. Pero es un proyecto que tengo que documentar y desarrollar más. Me apetece mucho hacer un punto de inflexión con mi obra anterior y ver qué pasa, también me supone un reto como pintor y me va a hacer salirme un poco de mi digamos, “zona de confort”.

La verdad es que por suerte ideas no faltan, lo que falta es tiempo para poder hacer todo lo que me gustaría pero creo que eso…. nos pasa a todos.

 

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© Raúl Álvarez. Óleo sobre lienzo. Serie “Pool”.

 

Descubre más sobre Raúl Álvarez en:

https://www.raulalvarezpintura.com/

https://www.instagram.com/raulalvarezpintura

https://www.facebook.com/raulalvarezpintura/

 

 

Entrevista2. Belin: “Cuando yo muera quiero que mi obra siga viva”.

A escasas horas de inaugurar la que será su primera exposición individual en Madrid y coincidiendo con la semana más relevante del año en nuestro país en cuanto a arte contemporáneo se refiere, Inéditad ha tenido la gran oportunidad de secuestrar a este reconocido artista durante unos instantes para hablar con él sobre sus inicios, sobre su estilo post-neo-cubista, sobre el oficio de artista y sobre la opinión que le provoca el actual mundo del arte.

 

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Miguel Ángel Belinchón, más conocido como Belin, va a presentar esta tarde a las 19:00 en el Lobby Art Gallery del Hotel Emperador su nueva exposición “Post-Neo-Cubismo y Otros Sueños” comisariada por Nagare Art Projects en colaboración con Montana Colors y que contará además con la subasta de una de sus obras a favor de la ONG Galgos del Sur con el apoyo de Las Muy Perras.

Por tanto por motivos más que obvios él es el protagonista de este nuevo Entrevista2 en el blog:

 

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Siempre había hecho realismo con personajes inventados y fue en febrero de 2016 cuando en una participación benéfica en Málaga su mujer  le propuso reinterpretar a su manera una obra de Picasso. Sin saberlo, un retrato de su hija Natalia supuso un punto de inflexión en su carrera devolviéndole el placer por la pintura en un momento en el que la fuente del realismo ya se había agotado para él.

 

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En su particular concepción del cubismo nació algo diferente para Belin ya que como él mismo reconoce, le sirvió para prolongar la vida de este estilo pictórico vanguardista de principios del siglo XX haciéndolo suyo mezclando el realismo con desproporciones y trazando líneas propias de su pasado como graffitero.

 

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Porque precisamente en el graffiti están las raíces de este artista nacido en Linares (Jaén), más concretamente en lo que él mismo define como la parte ilegal del arte urbano. Fue a partir del 2001 cuando empezó a acompañar a sus graffitis con la figura de un muñeco, cuya técnica realista fue ganando terreno hasta ocupar por completo el estilo de sus murales.

 

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Pintor absolutamente autodidacta, inconformista, ambicioso y sanamente competitivo, el graffiti no solo le dio esa forma de expresarse en libertad sino que le aportó todo el dinamismo y el movimiento que un trabajo de estudio no le podía proporcionar.

 

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Adalid de la humildad por mucho éxito que a uno le sobrevenga, a Belin le encanta el arte pero no el mundo del arte. Defensor absoluto de la idea de que para ser artista hay que tener unos cimientos sólidos basados en el esfuerzo, en el oficio y en el conocimiento, rechaza de pleno toda propuesta que vaya en contra de la realidad, de la naturalidad y de la coherencia. “Creerse un Dios en el mundo del arte es un error. Lo importante es que lo que dejes en la Tierra sea algo positivo. Yo quiero transmitir positivismo y que cuando yo muera sea mi obra la que continúe viva“.

 

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Haciendo suyas sus palabras “el arte ya existía y yo no he inventado nada“, este artista que se crió en la cultura del realismo le gusta reconocerse como un eslabón en la cadena del arte en la que tal y como él ha hecho con sus predecesores apuesta por que los que vengan detrás de él aprendan también de su trabajo.

 

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Entre hoy 28 de febrero y hasta el 10 de marzo se presenta una oportunidad única de descubrir sus retratos post-neo-cubistas cuyos personajes protagonistas acostumbran a ser gente de su entorno: su familia, sus amigos, sus vecinos, sus gatos…en definitiva y como él confiesa, “me gusta pintar a la gente que tengo cerca“.

 

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El por qué ya lo sabes. Ahora te recordamos el donde y el cuando:

Hotel Emperador. Gran Via 53.
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Del 28 de febrero al 10 de marzo.

Entrada Libre.

 

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Texto: Inéditad

Fotografías: Inéditad durante el montaje de “Post-Neo-Cubismo y otros sueños.

 

Entrevista2: Josué Hernández. “No se ha sabido educar para admirar la belleza del desnudo.”

En su inagotable rastreo de talento Inéditad se traslada en esta ocasión hasta el archipiélago canario, concretamente hasta Villa de la Orotava en Tenerife, para entrevistar a este pintor amante del Barroco y de la estética neoplatónica que haciendo uso de la técnica del óleo sobre tabla consigue adaptar magistralmente estas referencias a nuestro siglo. Sorprendido de que a día de hoy el desnudo sea considerado aún algo tabú en nuestra sociedad, este artista reivindica su belleza colaborando a educar la inteligencia de la mirada del espectador a través de sus obras. Autor de la reciente exposición “El Espejo de las Vanidades. Alegorías pintadas sobre la muerte para la sociedad contemporánea”en el Real Club Náutico de Gran Canaria, hoy en el blog Inéditad tiene el placer de presentar al protagonista de su nuevo Entrevista2. Acércate al asombroso trabajo de Josué Hernández:

 

I,- ¿Qué significa el Arte para Josué Hernández?

J.H.- Es difícil de explicar. Supongo que soy muy rancio para dar una definición al uso jaja. Para mí el arte es la oportunidad que tenemos de convertir una idea, un sentimiento o un concepto en algo tangible y, además si se puede, de forma estética.

 

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Retrato de Mark © Josué Hernández

 

La imagen tiene mucho poder porque somos seres sensibles que necesitamos de nuestros sentidos para interpretar el entorno que nos rodea. Y me admiro muchísimo de todas aquellas personas que han aportado al mundo toda la belleza del color, la composición, la armonía e incluso, conseguir plasmar el mundo onírico para que nosotros podamos comprenderlo, todo ello aplicado a la pintura, la escultura, la arquitectura, el urbanismo, la fotografía, el diseño y la ilustración.

 

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La Avaricia. Óleo sobre tabla. 2016 © Josué Hernández

 

I.- ¿Cómo definirías tu estilo?

J.H.- Es una pregunta difícil, la verdad jajaja. Hace muchos años un crítico que vio de casualidad unos dibujos míos me dijo que yo no era nada español. Y aquello me dejó algo perplejo. Con el tiempo supe comprenderlo y en parte le doy la razón. Me admiré tanto del arte italiano que de alguna manera se grabó en mi inconsciente.

 

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Santa Lucía © Josué Hernández

 

Busco ese concepto de belleza neoplatónica tan propia del neoclasicismo decimonónico, pero huyo de esa frialdad de una antigüedad clásica mal entendida que lo popularizó. Quizás sea más bien, esa idea escondida en el dinamismo del Barroco, en su oscuridad, en su ostentación. Pero en verdad yo quiero pintar a la gente de hoy.  Me siento muy cómodo en este siglo.

 

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© Josué Hernández

 

Aunque me sorprende que en pleno siglo XXI aún el desnudo sea tabú para la sociedad contemporánea. No se ha sabido educar para admirar la belleza del desnudo, bueno, no se ha sabido educar la inteligencia de la mirada. En el mundo de la imagen no sabemos leer.

 

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© Josué Hernández

 

I.- ¿Cuándo comenzó tu relación con el mundo del Arte?

J.H.- Supongo que desde pequeñito.  En La Orotava, mi localidad natal, abundan piezas artísticas de distintos estilos, épocas y procedencias. En ellas me embebía y me admiraba, y comenzaba a reproducirlas con poco éxito en dibujos. Pero en verdad el punto de inflexión lo puso la pequeña biblioteca doméstica de mi padre. Podía estar horas leyendo libros sobre arte, arquitectura e historia, y aprendí a amar la lectura. Recuerdo que el día de Reyes más feliz de mi infancia, tendría yo 11 ó 12 años, fue cuando me regalaron Arte y Arquitectura en Italia de Rudolf Wittkower.

 

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Descanso en Egipto (Detalle) © Josué Hernández

Pero jamás pensé dedicarme a la pintura. Me gustaba muchísimo el arte y dibujaba, pero mis derroteros fueron por otros lados. Comencé Arquitectura en la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria pero lo abandoné para terminar, sin querer queriendo, pintando la mona jaja. Fue muy difícil para mí, porque jamás en mi vida había cogido un pincel ni pintado nada, pero supe adaptarme. Y bueno, así acabé, rodeado de pinceles y cuadros.

 

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Alegoría de la Ira © Josué Hernández

 

I.- ¿Con qué técnica te sientes más cómodo?

J.H.- He encontrado mi sitio con el óleo, especialmente sobre tabla. Me permite conseguir ese acabado que busco para mis obras y que se adapta muy bien a mi personalidad.

 

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Ánimas © Josué Hernández

 

I.- ¿Por qué te decantas más, por el pequeño o por el gran formato?

J.H.- Me considero un pintor de miniaturas. Confieso que me hacen particularmente feliz, supongo que por comodidad. El gran formato tiene un mayor impacto visual y reconozco que hay obras que son más que necesarias en tamaños grandes. Pero el gasto de tiempo y materiales que conlleva a veces puede ser excesivo. No soy una persona que deje nada a la casualidad e intento que todos los centímetros cuadrados de la obra lleven el mismo cariño y esmero. También pienso que vivimos en el mundo de la inmediatez. Todos queremos las cosas al momento, y hay trabajos que llevan mucho más que exceso de paciencia. Yo todo lo trabajo a través del dibujo y la pintura, no hay nada digital que facilite ni agilice el trabajo, y a veces la presión para terminar una obra es mucha.

 

005 Jacobo [pormenor]

Jacobo (Detalle) © Josué Hernández

I.- ¿Qué consigues expresar a través de tus retratos?

J.H.- Busco plasmar de alguna manera la belleza según mi punto de vista. Intentar sacar lo mejor del modelo y conseguir transportarlo a otro plano, como hacían los griegos y romanos con sus héroes y dioses.

 

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© Josué Hernández

 

I.- ¿De las obras o de las series realizadas hasta el momento, hay alguna de la que te sientas especialmente orgulloso? ¿Por qué motivo?

J.H.- No es la mejor obra, pero me siento especialmente orgulloso de la Alegoría del Desengaño. Fue la primera obra en gran formato y tuvo mucho éxito en las redes sociales y para la crítica. Pudo contemplarse de forma inédita en la exposición que tuvo lugar hace una semana en Gran Canaria y me sorprendió el ver que la gente seguía admirándose con ella. Es algo que me hace sentir muy satisfecho.

 

007 Detalle Alegoría del Desengaño. Óleo sobre tabla 2015

Alegoría del Desengaño. Óleo sobre tabla. 2015 © Josué Hernández

 

Pero sentirme orgulloso, por suerte, creo que muchas de ellas. El Descanso en el regreso de Egipto, San Francisco de Asís o el Cuadro de Ánimas, en lo religioso, o la Alegoría de la Muerte y la Alegoría del Tiempo son algunas de las obras en las que he conseguido sacar mi mejor yo, o al menos sigo recordándolas con mucha nostalgia y ganas de emprender de nuevo una aventura pictórica al estilo.

 

El Espejo de las Vanidades

El Espejo de las Vanidades © Josué Hernández

 

I.- Josué, ¿si te propusieran colaborar con un artista para llevar a cabo una obra conjunta, ¿a quién se te vendría a la mente?

J.H.- Gonzalo Sabina. Se lo prometí desde hace años y nunca me he olvidado de ello. Espero encontrar algún día el momento de llevarlo a cabo.

 

008 Gonzalo Sabina. Selfie Sobre Mar de Nubes. Óleo sobre tela

Gonzalo Sabina. Selfie Sobre Mar de Nubes. Óleo sobre tela

 

I.- ¿Qué crítica harías sobre el mercado del arte contemporáneo en nuestro país?

J.H.- Yo entiendo que cada estilo tiene su público. Pero sí me ofende mucho la mercadotecnia que hay detrás del arte contemporáneo y que se infravalore a la gente, etiquetándola de ignorante, si no gustan de las nuevas tendencias artísticas o no le convence lo que ven. Cada persona es libre de sentir y de expresar con respeto lo que piensa. No puede llover siempre a gusto de todos.

Y en cuanto al mercado…quizás yo sea muy clásico. No entiendo los hiperbólicos precios aplicados a objetos absurdos como un vaso con agua, cuyos 20.000€ causó mucha polémica hace años en la feria ARCO. Todo esto ya roza el ridículo.

 

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© Josué Hernández

 

I.- ¿Cuáles serían algunos de tus referentes?

J.H.- A nivel insular puedo decir que Fernando Estévez [1788-1854] fue una pieza clave para mí. Pues con él aprendí los valores plásticos de hacer tangible la belleza idealizada. Pero ¿referentes?…miles. Es muy difícil porque se me agolpan muchísimos nombres en la cabeza de artistas de admiro de los que tengo mucho que aprender, si es que algún día aprendo. Pintores españoles desde Murillo a los Madrazo, José Moreno Carbonero o José Benlliure, los pintores venecianos del XVI como Paolo Cagliari, Tintoretto o Tiziano, hasta academicistas rusos como Henryk Siemiradzki, sin olvidar nunca la pintura americana de la que tanto hay que admirar como José de Ibarra o Miguel Cabrera. Pero también han jugado un papel fundamental Pedro y Luisa Ignacia Roldán, Bernini, Melchiore Cafà, y tantos que me sabe mal no nombrarlos a todos.

 

010 L'Oncle Andreu de Rocafort de José Benlliure. Artista valenciano cultivador de la pintura costumbrista

L’Oncle Andreu de Rocafort de José Benlliure. Artista valenciano cultivador de la pintura costumbrista

 

I.- ¿Qué obra de arte universal sería tu preferida y por qué?

J.H.- Es una pregunta más compleja todavía jajaja. Supongo que no podría responderla. Son muchísimas las obras del arte universal que podrían disputar por ser mi preferida y dejar algunas en segundo plano sería injusto. Pero sí podría decir una que me define muy bien y es el Rapto de Perséfone de Bernini, conservada en la Galleria Borghese de Roma. En ella encuentro toda la belleza de la anatomía, el dinamismo del movimiento, el vigor de la musculatura y la sensualidad de la joven doncella.

 

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Ratto di Proserpina. Escultura en mármol de Gian Lorenzo Bernini realizada entre 1621 y 1622.

 

I.- ¿Qué valor le das a las redes sociales? ¿tienes alguna de cabecera?

J.H.- No dispongo de mucho tiempo libre…bueno, de tiempo, en general. Soy una persona muy ocupada y mi mente se dispersa siempre en mil quehaceres. Por ello encontré mucha comodidad en Instagram. Aunque hay veces que entro durante 5 minutos, tres veces al día, o llego a contestar comentarios 5 meses después. Lo sé, soy un auténtico desastre para las redes sociales y aprovecho para pedirle a mis seguidores disculpas y que conmigo tengan altas dosis de paciencia jajaja.

 

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Centauro © Josué Hernández

 

Pero sí, Instagram me ha permitido conocer gente extraordinaria, compartir mi trabajo y establecer contactos a nivel profesional. Hoy en día las redes sociales han generado un punto de inflexión a la hora de entender la difusión del trabajo y la publicidad. Pero también quiero poner en valor, quizás a nivel personal, que detrás de cada foto o cada cuenta, hay una persona con una vida y unos sentimientos. A veces pensamos que todo se reduce a una pantalla de un móvil o un ordenador. Es por ello que me quedo con todas las experiencias compartidas y el afecto y cariño que han puesto cada persona que he pintado para con mi trabajo.

 

 

I.- A día de hoy, ¿en qué ciudad en la que aún no lo hayas hecho te encantaría exponer?

J.H.- En todas jaja. Pero si tengo debilidad por Málaga, Valencia, Madrid y Barcelona, especialmente estas dos últimas por el ambiente cultural que respiran. Además, creo que mi obra tendría en ellas muy buena acogida.

 

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Muerte © Josué Hernández

 

I.- Si tuvieras que escoger una canción de fondo mientras pintas, ¿cuál escogerías?

J.H.- Jajaja…Suelo escuchar música según mi estado de ánimo o, incluso, de cómo amanezca el día a nivel meteorológico. Pero creo que la ideal sería Truly de Cigarettes after sex. 

(Es el momento de darle al PLAY):

 

 

I.- ¿Qué proyectos de futuro tienes sobre la mesa?

J.H.- Hay bastantes, la verdad. Pero necesitan mucho tiempo para ver la luz todavía. Quizás lo más próximo que veamos sea una exposición de Vanitas, con los desnudos con calaveras por protagonistas, u otra de miniaturas de temática sacra.

 

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© Josué Hernández

 

Descubre más sobre Josué Hernández en:

https://www.instagram.com/josuehernandez_painter

http://zakinthosv.tumblr.com

 

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Texto: Inéditad

Imágenes cedidas por © Josué Hernández

Entrevista2: Vorja Sánchez. La fantasía de la naturaleza hecha Arte

Inéditad arranca esta nueva temporada de una forma muy especial. Concretamente con la publicación de esta nueva vídeo entrevista cuyo protagonista hace de su proceso creativo un momento de introspección íntimo y reflexivo.

 

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Para este joven ilustrador y muralista residente en Barcelona las formas de la naturaleza son una constante fuente de inspiración, inspiración que transforma en unas personalísimas obras cuyas criaturas principales son fruto de la fusión de un imaginario inherente maravillosamente surrealista y de un estilo único calificable como orgánico.

 

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Va a ser su propia voz acompañada de algunos de estos extraordinarios trabajos la que nos va a explicar lo que significa el Arte para él, el valor que le da a su profesión, lo que pretende transmitir al espectador, así como lo que le gustaría conseguir artísticamente.

Hoy en el blog Inéditad te invita a que conozcas de primera mano el talento de Vorja Sánchez. Aquí tienes su particular Entrevista2. ¡Dale al Play!

 

 

Texto y edición: Inéditad

Imágenes del vídeo cedidas por Vorja Sánchez.

Imágenes de la intervención escultura “Ceferino”: Ornamante.

 

Descubre más sobre el artista en:

https://www.facebook.com/vorjailustracion/

https://www.instagram.com/vorjailustracion/

Entrevista2: Iñaki Bellver o como conectar con el mundo interior del artista y del espectador

36 años, residente en Barcelona, nacido en Ontinyent y cautivado por la isla italiana de Sicilia. Formado como ilustrador en la EASD de Alcoi, se especializó en esta disciplina en la Escola Massana. Además de la ilustración, cuenta con ocho años de experiencia como librero y ha sido profesor de dibujo y pintura en varias academias de arte. 

Hoy él es el protagonista de Inéditad gracias a su colaboración con este nuevo Entrevista2. Descubramos mucho más sobre el artista y la persona que hay detrás de Iñaki Bellver.

 

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I.- ¿Cómo definiría Iñaki Bellver el Arte?

I.B.- Para mí es aquello con suficiente capacidad o fuerza como para conectar con algo interno y que concierne tanto al artista como al espectador.

 

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I.- ¿Serías capaz de calificar tu estilo en una sola palabra?

I.B.- Iniciático.

 

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I.- ¿Cuándo comenzó tu relación con el mundo del Arte?

I.B.- Inicia muy temprano, en la infancia. Fui un niño de los 80 que se dedicaba a dibujar todo aquello que veía en la tele, sobre todo si eran dibujos animados. Mis padres no tardaron en apuntarme a clases de dibujo y pintura. Además vengo de una familia donde siempre ha habido una cierta inclinación por lo artístico.

 

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I.- ¿Con qué técnica te sientes más cómodo y por qué?

I.B.- Grafito, carbón y tinta. Aunque resulte paradójico por el contenido de mi obra, que es básicamente dibujística, me encanta el color pero intento transmitir ideas y dibujar, más que pintar, me ayuda en esa tarea. 

 

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I.- Echando un vistazo a tus ilustraciones se observa que estas están repletas de simbología ¿Cuál es el mensaje (o mensajes) que principalmente pretendes lanzar a través de tu obra?

I.B.- Me apasionan los caminos iniciáticos y las disciplinas espirituales como el soto zen. En mi trabajo hay una parte de introspección porque procuro encontrar mis propios símbolos, extraídos de mi vida como ideas y experiencias que me gusta jugar a simbolizar. Elementos del verano, insectos, el mar; personas solitarias en actitud de reflexión; la muerte; la física cuántica; la música; la botánica; el universo… hay muchas disciplinas y saberes que me encantaría haber tocado. Dibujar esas ideas e intentar encontrar puntos en común me ayuda a reflexionar sobre ellas y a conectar todo aquello que creo que en cierta manera me identifica.

 

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I.- Iñaki, ¿si te propusieran colaborar con un artista para llevar a cabo una obra conjunta, ¿Quién sería el primero (o primera) que te vendría a la mente?

I.B.- Hayao Miyazaki. 

 

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Hayao Miyazaki es un director de películas de animación, productor, guionista y artista manga japonés co-fundador del internacionalmente conocido Studio Ghibli.

 

I.- ¿Hay alguna disciplina artística que aún no hayas probado y que te gustaría experimentar?

I.B.- Son muchas, pero sin duda me decantaría por la animación.

 

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I.- ¿Qué obra del arte universal sería tu preferida y por qué?

I.B.- Relojes blandos, de Salvador Dalí. Siendo un chaval me regalaron un libro de sus pinturas y me marcó. Muy especialmente esta obra. Esa capacidad de remover estados de ánimo sin dejar por ello de transmitir una idea muy concreta por parte del artista… esa sensación de soledad, de quietud, que me hacía reflexionar mucho, y eso es también lo que pretendo en mi obra. Estoy en esa lucha.

 

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I.- ¿Qué valor le das a las redes sociales? ¿tienes alguna de cabecera?

I.B.- Evidentemente las redes sociales son necesarias pero procuro estar más sobre la mesa de dibujo ya que mi trabajo es principalmente un trabajo manual, en el sentido clásico, de tocar lápiz y pincel. Poca pantalla.

 

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Desde hace un tiempo vengo usando Instagram. Es la plataforma con la que me encuentro más cómodo interactuando y la que me permite perder menos tiempo y dispersarme menos.

También tengo página en Behance, porque a diferencia de Instagram, que es más dinámico, ésta me da la posibilidad de tener un espacio más contenido y sin tanto ruido, más en formato aparador, por llamarlo así.

 

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I.- Decía Oscar Wilde “En los almuerzos de banqueros se habla de Arte, en los de artistas, de dinero”. ¿Qué opinión tienes sobre la situación de los artistas emergentes en nuestro país?

I.B.- Que la situación es difícil. Tengo amigos pintores, bailarines, ilustradores, fotógrafos… en todas las profesiones hay que pelear muy duro. La mayoría se cocina los recursos para salir adelante como puede, especialmente a la hora de vender. Hace falta mucho oxígeno. En el campo de la ilustración, por ejemplo, compruebas que la situación de muchos artistas/ilustradores, sobre todo cuando empiezan, está llena de baches comunes que te hacen reflexionar sobre si los obstáculos dependen del sistema. Afortunadamente, en los últimos años han aparecido asociaciones y plataformas de apoyo para ilustradores donde hay muchísima información y ayuda.

 

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Su interés profesional se decanta por la ilustración editorial colaborando con revistas como Oculta Lit, Homonosapiens, Quimera y Le Cool. Su primera exposición individual tuvo lugar en La Casa del Libro de Rambla Catalunya, siendo el primer artista que inauguró la sala de actos de dicho espacio. En la actualidad Iñaki Bellver combina su actividad como ilustrador con su trabajo en la Fundació Joan Miró.

 

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Foto de Juan Carlos Calduch

 

Texto: Inéditad

Imágenes cedidas por Iñaki Bellver

Descubre más sobre el artista en:

https://www.behance.net/inakibellver

https://www.instagram.com/inaki.artwork

 

Entrevista2 con Emmanuel Lafont: “No me puedo acostar sin dejar de hacer arte y no me puedo levantar sin dejar de ser artista”.

Empezó vendiendo sus obras en la calle, cerca del malagueño Museo Picasso, en un momento en el que quizá todavía no era muy consciente del enorme talento que poseía para la noble disciplina del dibujo. Viajero empedernido, Emmanuel Lafont llegó a Málaga desde su Buenos Aires natal impulsado por un enigmático destino, convirtiéndose poco tiempo después en unos de los ingredientes necesarios de un caldo de cultivo que ha llevado a esta ciudad al punto de ebullición cultural que vive en la actualidad.

 

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Formado artísticamente en Bellas Artes por la Universidad de Córdoba (Argentina) y en el Art Center South Florida de Miami donde trabajó como asistente, este artista virtuoso en la técnica del grafito y de la tinta demuestra tener la inusual capacidad de plasmar tanto en papel como en soportes tan diferentes como una tarjeta para archivar, una servilleta, una fotografía o un cuaderno de viaje, sus sensacionales ilustraciones, las cuales guardan mucho de autobiográfico y mucho de magia narrativa.

 

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Sus experiencias personales junto a la búsqueda de nuevos lenguajes artísticos unido a sus innatas dosis de imaginación y a una técnica precisa y detallista, son tan solo algunos de los elementos que han conseguido elevar la obra de Emmanuel Lafont a la categoría de admirable.

 

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En su última visita a Málaga Inéditad tuvo el placer de entrevistarle en su estudio y fruto de aquel encuentro nace esta vídeo entrevista en la que nos habla de sus comienzos, de su insólito proceso creativo, de lo que le inspira y de lo que el Arte en definitiva significa para él. Un privilegio para este que escribe el haber contado con su generosa colaboración.

Hoy en Inéditad Emmanuel Lafont es el absoluto protagonista. Descúbrelo dándole al PLAY:

 

 

Texto y vídeo: Inéditad

Imágenes:

http://www.emmanuellafont.com/

https://www.facebook.com/PICASSOisNOTtheONLYONE/

https://www.instagram.com/emmanuellafont/

Entrevista2: Arte Digital en potencia de la mano de Bekim Aliji @bekzter

Today’s Entrevista2 protagonist is a young man but highly qualified. With a master degree in Architecture, dancer and a self taught digital artist, Inéditad found his work in Instagram and he didn’t hesitate in making contact with him for suggesting an interview. Inéditad was sure that someone with this emerging talent could have many interesting things to say and to share. And he wasn’t wrong. Born and resident in Sweden. 30 years old. Inéditad introduces you in his new post today (in English and in Spanish) the art of Bekim Aliji @bekzter .

 

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Poco le hace falta al protagonista del Entrevista2 de hoy para ser definido como joven pero sobradamente preparado. Licenciado en arquitectura, bailarín y artista digital autodidacta. Inéditad descubrió su trabajo a través de Instagram y no dudó un instante en contactarle para proponerle una entrevista. Sabía seguro que alguien con este talento en potencia tenía muchas cosas interesantes que decir y que compartir. Y no se equivocaba. Nacido y residente en Suecia, 30 años. Hoy Inéditad te descubre en su último post en el blog (in English y en español) a Bekim Aliji @bekzter .

 

 

 

I. – Architect, dancer and now digital artist. When did you decide to explore this artistic side of you and why?

B. – I have always had many interests, ever since I was a kid. I was curious and wanted to do everything and learn everything.

I used to sing and dance a lot, pretending to be Michael Jackson. I would have my mother film me as I performed my shows in the living room.

I also had a talent for drawing, I especially liked drawing female faces and houses for some reason. Every time someone visited us, I would ask them how they wanted to live and would draw a house for them. So my mother took me to an art class when I was 6. I kept on drawing, and dancing, singing, reading, and I enjoyed school and loved learning.

 

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When I was 15 I got my first computer as a present, and it came with a version of Adobe Photodeluxe on it. It was basically a simple version of Photoshop, and I remember playing around and absolutely fell in love with it. I was fascinated by the idea that I could create anything I wanted, any scenarios. This blew my mind, and I would sit on the computer all day and all night trying to perfect the editing, and figuring out compositions and shadows and how to make it look as real as possible.

This was before the time when we all had internet at home, or youtube, online tutorials or blogs. I’m self-taught through trial and error and I would look in magazines and books for images that I could use and I would scan them into my computer and edit from there.

 

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Eventually I had to figure out what to do with my life, with all these passions that I had. I remember a friend told me “Well, you have to choose something, you can’t do everything!”, which triggered me to do exactly that.

I chose to pursue architecture, because my love for buildings was really strong and it was the career that would secure me the best financially. But I also started taking dance classes and trained for 10 years. I was in dance groups performing, and toured as a background dancer, while I was still working full time as an architect.

Through dance I started to get into filming and editing dance concept videos.

After a few years people were contacting me around Scandinavia and asking me to do photoshoots or a video edit.

So, I decided to start my own firm, where I now do graphic design, photography, videography, and smaller architectural or design projects.

It was in June 2017, when I decided to start using my Instagram as a creative outlet for myself. I loved it, because there was no pressure, no expectations and deadlines, it wasn’t a job for someone else, there was no one telling me how they want it, or that my ideas were too crazy. I just felt like I needed to try out my ideas. There’s no greater feeling than creating something that didn’t exist before, and then it does. People also seem to enjoy them, which is very nice but I try not to focus on that. But maybe some little weird kid like me will see them and start exploring digital art themselves.

So, I work full-time as an architect as my main thing, I have the firm for my other interests as my side thing, and I have Instagram as an outlet for my own thing.

 

I. – Arquitecto, bailarín y ahora artista digital. ¿Cuándo decidiste explorar esta faceta artística y por qué?

B. – Siempre he tenido muchas inquietudes, desde que era un crío. Era curioso y quería hacerlo todo y aprenderlo todo. Solía cantar y bailar bastante, intentando ser Michael Jackson. Obligaba a mi madre a grabarme mientras yo hacía mis actuaciones en el salón.

También era talentoso para el dibujo, por alguna razón que desconozco me gustaba dibujar especialmente rostros de mujer y casas. Cada vez que alguien nos venía a visitar, yo les preguntaba cómo les gustaría vivir y entonces les dibujaba una casa. Posteriormente, cuando tenia 6 años, mi madre me llevó a clases de arte. Continué dibujando, bailando, cantando, leyendo y disfrutaba del colegio. Me encantaba aprender.

 

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A los 15 años me regalaron mi primer ordenador y éste venía con una version de Adobe Photodeluxe. Era básicamente una version sencilla de Photoshop y recuerdo lo mucho que me gustaba practicar con ella. Estaba fascinado con la idea de que podia crear cualquier cosa que quisiera, cualquier situación. Ello me apasionaba, podia estar todo el día y toda la noche frente al ordenador intentando conseguir la edición perfecta y realizando composiciones y formas que parecieran lo más reales posibles.

Todo eso fue antes de que tuviera internet en casa. No tenia ni Youtube con sus tutorials, ni blogs. Era un autodidacta a base de acierto y error que buscaba en libros y revistas imágenes que pudiese utilizar para escanarlas en mi ordenador y posteriormente editarlas.

 

 

 

No sabía aún que es lo que me gustaría ser en el futuro con todas esas aficiones que tenia. Recuerdo que un amigo me decía “Bueno, tienes que escoger algo, ¡no puedes hacerlo todo!”.

Decidí decantarme por la arquitectura porque me gustaban mucho los edificios y era la carrera que más me podría beneficiar económicamente. Sin embargo, empecé también a tomar clases de danza y seguí con ellas durante 10 años.  Actuaba en grupos de danza mientras trabajaba a tiempo completo como arquitecto.

A través de la danza empecé a grabar y editar vídeos de baile. A los pocos años, personas de toda Escandinavia comenzó a contactarme y a solicitarme sesiones de fotos y video edición. De este modo decidí crear mi propia marca, en la cual ahora hago diseño gráfico, fotografía, videografía, y pequeños proyectos de arquitectura y diseño.

 

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En junio del año pasado decidí comenzar a usar Instagram como mi propia plataforma creativa. Me gustaba, porque no había presión ni expectativas, no se trataba de un trabajo para alguien, es decir, no había nadie que me tuviera que dar instrucciones de lo que quería o que pudiese considerar que mis ideas fuesen alocadas. Sólo tenia la necesidad de expresarlas. No hay major sensación que la de crear algo que todavía no existe y hacerlo. A la gente parece gustarle lo que hago, lo cual está muy bien, sin embargo yo intento no focalizarme en eso. Quizá algunos chicos que sean peculiares como yo, vean mi trabajo y empiecen ellos mismos a explorar digitalmente.

En resumen, trabajo a jornada completa como arquitecto,  tengo mi marca e Instagram para el resto de cosas que me interesan.

 

I. – Why do you prefer digital technique to express yourself?

B. – I think it is the freedom of creating whatever kind of art, whenever and wherever. It’s like an escape from reality. I don’t have to have a studio, or brushes and colors and canvases with me, or need to search for the right locations to shoot. All I need is my laptop and my mind, and I can be in the middle of a desert and create an animation of me in a snow storm covered in ice, or something crazy like that.

There are no limits.

 

I. – ¿Por qué prefires la técnica digital para expresarte?

B. – Porque es la libertad de crear en cualquier tipo de arte, cuando sea y donde sea. Es una salida de la realidad. Yo no necesito un estudio, unos pinceles o un lienzo y tampoco preciso una localización para filmar. Lo único que requiero es mi portátil y mi mente. Con él puedo estar en medio de un desierto y crear una animación sobre mi en una tormenta de nieve cubierto de hielo, o alguna locura así.

No hay límites.

 

 

 

I.- Which of your artworks are you proudest of?

B.- My favorite ones are not on Instagram, and they are not the most creative or popular ones, but the silly, funny ones. I like using humor and absurdity in my artwork. Absurdity and humor challenges the way we see ourselves and society, and lets us take a step back and not take ourselves too seriously. People in general just need to relax! Life is not always that serious. And creating a piece that shows humor is a tiny reminder of that. That’s why memes have become such a vital part of our everyday life. It’s a mirror of our society and how weird we actually are, but also how we are all the same, and they connect us.

If we’re talking about my Instagram posts, one of my favorites is one where I turned my fingers into deer horns. It’s a very simple photo, with a warm brown color tone, nothing extraordinary. The caption is “Oh deer, he’s so horny!” and it’s a wordplay with the words “deer” and “dear” and the word “horny” meaning having horns, but also meaning aroused. The idea came to me when I was drunk in a nightclub waiting in line for the toilet and saw a beautiful picture of a deer on the wall, and I said “Oh deer!” and started laughing to myself cause of the deer/dear pun. It’s stupid and it’s not important, but it sparked an idea that made me smile. And that’s why I like it. That fun and seemingly frugal moment in the toilet queue is now a memory forever recorded in that photo, and will take me back to that feeling every time. Silly and simple.

 

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I.- ¿De cuál de tus trabajos te sientes más orgulloso?

B.- Mis favoritos no están en Instagram y no son los más creativos o populares, pero sí los más tontos y divertidos. Me gusta emplear el humor y lo absurdo en mis trabajos. Ambos desafían la forma de vernos a nosotros mismos y a la sociedad y nos permiten ver las cosas con perspectiva y no tan seriamente. ¡La gente en general necesita relajarse! La vida no es siempre tan seria. Crear una obra que muestre humor es una pequeña forma de recordarlo. Por este motivo los memes se han convertido en una parte vital de nuestro día a día. Son un reflejo de nuestra sociedad, de lo raros que realmente somos y de lo mucho que nos parecemos. En cierto modo nos conectan.

Si hablamos de los publicados en Instagram, uno de mis favoritos es uno en el que mis dedos se transforman en cuernos de ciervo. Es una foto muy simple, con un tono cálido de color marrón, nada extraordinario.  El título es “Oh deer, he’s so horny!”, se trata de un juego de palabras con “deer”, “dear” y “horny” quiere decir llevar cuernos, en el sentido provocativo del término.  La idea me vino cuando estaba borracho en un bar esperando en la cola del baño y vi una preciosa fotografía de un ciervo en la pared, exclamé “Oh ciervo!”. Empecé a reírme yo solo a causa del juego de palabras “deer / dear”. Es algo estúpido y poco importante, pero desencadenó en una idea que me hizo sonreír. Y esa es la razón por la que me gusta.

Ese momento divertido y aparentemente frugal en la cola del lavabo es ahora un recuerdo  grabado para siempre en esa foto, capaz de transportarme a ese sentimiento cada vez que la veo. Simple y sencillo.

 

I.- What does art mean to you?

Art is a way to connect with others. And connection with other human beings is why we are here. Art can be and mean anything. With art you can express your thoughts, your joy, your pain, or whatever you’re feeling or thinking. It’s like a printer for your mind and emotions. You literally take something non-tangible that only exists in your mind, and you turn it into something that didn’t exist before you thought it. That’s incredible! Everything you see or hear, every song you’ve heard, every show, every book, piece of clothing, hairstyle, building, instrument, is a result of someone creating something that wasn’t there before they thought or felt it.

 

I.- ¿Qué significa el Arte para ti?

El arte es la manera de conectar con los otros. Y la conexión con otros seres humanos es la razón por la que estoy aquí. Arte puede ser y puede significar cualquier cosa. Con el arte puedes expresar tus pensamientos, tu alegría, tu dolor, o lo que sea que tú sientas o creas. Es como una impresora de tu mente y de tus emociones. Tomas literalmente algo no tangible que solo existe en tu cabeza y lo conviertes en algo que no existía antes de que lo pensaras. ¡Eso es increíble! Todo lo que puedas ver u oír, cada cancion que tu puedas escuchar, cada actuación, cada libro, prenda de ropa, peinado, edificio, instrumento, es el resultado de alguien creando algo que no estaba ahí antes de que lo pensara o sintiera.

 

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I.- What would you like to try out artistically?

B.- I would like to do more merging of different techniques into one piece. Lately I’ve started with animations made from still photos. But I also want to draw and paint more digitally, so I can create the environments from scratch, instead of piecing together different photos. And also continue to evolve video editing techniques. It’s hard to find the time though, as this is something I do on the side of a demanding job.

 

I.- ¿Qué te gustaría lograr artísticamente?

B.- Me gustaría profundizar más en diferentes técnicas. Últimamente he empezado con animaciones a partir fotos. Pero también quisiera dibujar o pintar más digitalmente, crear desde un elemento en lugar de trocear conjuntamente diferentes fotos.  Y también continuar evolucionando en las técnicas de video edición. Es complicado encontrar el tiempo, aunque esto es lo que suelo hacer en lugar de buscar trabajo. 

 

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I.- Any project in the future that can you talk about?

B.- I have a few collaborations planned with other visual artists, mainly on Instagram. I also have a huge private project in the works, but nothing I can talk about. Because as soon as I start talking about an idea I have, I kind of release that excitement of creating it and I end up losing momentum and not going through with it.

 

I.- ¿Algún proyecto de futuro que se pueda contar?

B.- Tengo algunas colaboraciones planeadas con otros artistas visuales, principalmente en Instagram. También tengo un proyecto privado del cual no puedo hablar. Cuando empiezo a hablar sobre una idea entro en un momento de excitación que me hace perder el tiempo y no ir directo al asunto.

 

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I.- Complete this sentence: “I wouldn’t want to die until I could…

B.- …say I’ve lived wholeheartedly. And had a drink with Beyoncé.

 

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I.- Completa esta frase. “No querría morir hasta que pudiera…”

B.- haber vivido intensamente. Y tomar algo con Beyoncé.

 

I.- Who is your favorite artist and why?

B.- Oh that question is hard. It’s like asking what is your favorite song. It changes daily. But the artists I’m most obsessed with are usually not that well known, and have found their unique niche and stay true to their originality. You can always tell who creates for their own fulfillment”, and who does it for praise. There is a guy called Adam Hale who’s Instagram page I really love, it’s called @the.daily.splice . I’ve been following him for years, and I can see how much he has evolved, but has still stayed true to his technique.

Manolo Blahnik is an artist I admire. He revolutionized the shoe, and his success is solely based on him creating to fulfill his own desires. He uses his life experiences and humor to create shoes that he likes himself, not designing after what is marketable and will sell.

 

a-Manolo Blahnik

 

I.- ¿Quién es tu artista favorito y por qué?

B.- Vaya, esta pregunta es difícil. Es como preguntarte cuál es tu canción favorita. Es algo que cambia diariamente. Pero los artistas con los que más estoy obsesionado son aquellos que no son tan conocidos, que hayan encontrado su lugar y que sean originales. Podría decir aquellos que crean para su propia satisfacción o aquellos que lo hacen por elogio. Hay un chico llamado Alan Hale cuyo perfil en Instagram me encanta. Se llama @the.daily.splice. Lo llevo siguiendo desde hace años y he podido ver cuánto ha evolucionado sin dejar de ser fiel a su técnica.

Manolo Blahnik es un artista que admiro. Ha revolucionado el zapato y su éxito reside básicamente en la creación de sus propios deseos. Utiliza sus experiencias vitales y su humor para crear zapatos que a él mismo le gustan, no con el objetivo comercial o de venta.

 

I.-  Which is your favorite museum?

B.- I have many. One that left a huge impression was The Jewish Museum in Berlin, by architect Daniel Libeskind. The way he used the building to create moods and tell stories about the jews’ situation during the war, is absolutely remarkable. I don’t even remember anything that was part of the exhibition, I only remember how the building came to life with the narratives he incorporated into the design.

 

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I.- ¿Cuál es tu museo favorito?

B.- Tengo muchos. Uno que me impresionó mucho fue el Museo Judío de Berlín del arquitecto Daniel Libeskind. El modo en que utilizó el edificio para crear estados de ánimo y contar historias sobre los judíos durante la Guerra. Es absolutamente extraordinario. No recuerdo nada que formase parte de la exposición, solo recuerdo como el edificio cobraba vida con las narraciones que incorporó en el diseño.

 

I.- Which city that you have visited would you prefer to live in?

B.- New York City has a special place in my heart. Every time I go there, my soul just lights up. I’m going back in May to explore it more and hopefully figure out essentially what it is that draws me to the city.

 

New York City Aerial Skyline at Dusk, USA

 

I.- ¿En qué ciudad de las que has visitado te gustaría vivir?

B.- Nueva York ocupa un lugar especial en mi corazón. Cada vez que voy, mi alma se ilumina. Vuelvo a ir en mayo para explorarla más y resolver qué es lo que tanto me atrae de esta ciudad.

 

I.- If you were extremely rich, which artwork or painting would you want to buy?

B.- I would buy that hilarious restoration that Cecilia Giménez did in 2012 of the 1930 Jesus fresco, Ecce Homo, by Martinéz.

It’s the perfect example of humor and absurdity that I mentioned before. The restoration was so bad, it was ridiculed all over the world. But it turned into a phenomenon and saved that Spanish town. Their economy skyrocketed as hundreds of thousands of tourists went to see it, and businesses were profiting. It’s a disaster that turned into a miracle, and vineyards are now fighting over the right to use the image on their wine labels.

I would want to have that piece at home and be reminded every day that humor is the key to turn the whole world around, and connect us all. Even Jesus knows that now.

 

Vía Gorka Elarcegui para El Pais

“Ecce Homo” Fotografía de Gorka Lejarcegui (EL PAIS)

 

I.- Si fueras extraordinariamente rico, ¿qué obra de arte te comprarías?

B.- Compraría la hilarante restauración que Cecilia Giménez hizo en 2012 del “Ecce Homo”, el fresco de Jesús de 1930 de Martínez.

Es el ejemplo perfecto de humor y absurdidad que te he comentado antes. La restauración era muy mala, fue ridiculizada en todo el mundo. Pero se convirtió en un fenómeno, especialmente para el pueblo español donde se encuentra. Su economía creció y miles y miles de turistas fueron para verlo. Los comercios lo aprovecharon. Un desastre que se transformó en un milagro. Hay bodegas que ahora luchan por obtener los derechos de imagen para sus botellas de vino.

Me gustaría tener esa obra en casa y recordar cada día que el humor es la clave para que el mundo gire y nos conecte a todos. Incluso ahora hasta Jesús lo sabe.

 

 

 

I.- What would be your advice to new artists just starting out?

B.-  The key is to be curious about life and to stay curious. Explore your curiosity, and see where it takes you. Please don’t take yourself too seriously, that will kill your creativity (even though this interview kind of makes me look like I’m taking myself too seriously).

I guess my advice is to just focus on expressing themselves in the way that fulfills them. Don’t worry about keeping up with other artists, and don’t get addicted to the praise of others. Because you’ll end up trying to please the audience, and changing the intention of why you are creating. Instead you need to create for yourself, and the right audience will find you and stay. “If you build it, they shall come”.

 

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If you can find a way to channel all your experiences and emotions into creating, you will start to appreciate those moments, even the hardships. I’ve had a very hard life and a tough childhood. But the pain became my muse for creating, and what I created became a muse to deal with the pain. It’s a very healthy circle that heals you. So in the end, your art is not just a beautiful oil painting that someone buys from you to decorate their wall. To you, it will be a fragment of your journey, and a testament to the fact that only your experiences combined with your mind and your abilities could create something that didn’t exist, and now does. Art heals.

 

 

 

I.- ¿Cuál sería tu consejo para aquellos artistas que empiezan?

B.- La clave es tener curiosidad por la vida y ser inquieto. Explorar tu curiosidad y ver donde ésta te lleva. No tomarse a uno mismo demasiado en serio por favor, ello mata la creatividad (incluso esta entrevista me hace pensar que me tomo a mi mismo demasiado en serio).

Supongo que mi consejo va enfocado a que se expresen ellos mismos en la manera en que eso les realice. No te preocupes por seguir los pasos de otros artistas y no te hagas adicto a los elogios de los demás. Porque terminarás por intentar satisfacer al público y cambiará la intención por la que has creado algo. Lo que necesitas es crear para ti mismo, entonces el verdadero público te encontrará y permanecerá. “Si tú lo construyes, ellos deberán venir”.

 

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Si tu puedes encontrar la manera de encauzar todas tus experiencias y emociones hacia la creatividad, empezarás a apreciar esos momentos, aunque esos momentos sean duros. He tenido una vida muy dificil y una infancia complicada. Pero el dolor se convirtió en la musa para crear y lo que he creado se ha convertido a su vez en la musa para lidiar contra el dolor. Se trata de un círculo muy saludable que te sana. Por eso al final, tu arte no es solo una bonita pintura al óleo que alguien te compra para decorar su casa. Para ti, será un fragmento de tu viaje, y una prueba de que solo tus experiencias combinadas con tu mente y con tus habilidades podrán crear algo que no existía y ahora sí. El Arte cura.

 

Texto: Inéditad.

Fotografías vía https://www.instagram.com/bekzter/