Abrimos el telón del microteatro de la mano del director y guionista Xavier Miralles

Inéditad te invita a que te adentres en el sorprendente mundo del microteatro de la mano de este joven director y guionista que lo está petando con su última obra en cartel en el espacio Microteatre Barcelona. Licenciado en Comunicación Audiovisual por la Universitat Autònoma de Barcelona y Máster en Dirección Cinematográfica en la ESCAC, hoy en el blog Inéditad entrevista a Xavier Miralles, autor de “Los Chicos Boreales”.

 

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I.- Xavier, empezamos con una pregunta a priori sencilla pero que quizá su respuesta pueda resultar complicada. ¿Cómo se definiría profesionalmente Xavier Miralles? ¿Y personalmente?

X.M.- Creo que ambas van muy ligadas, porque precisamente lo que intento aplicar a mi profesión es justamente lo que caracteriza mi vida personal. Siempre intento escribir desde los problemas que me ocupan en ese momento, las inquietudes que tengo o las vivencias más significativas. De hecho, la mayoría de las veces uso mis historias como canal para quitarme de encima aquello que quiero purgar para que mi vida esté tranquila. Soy muy sentimental y me gusta hacer todas las cosas con pasión, sin eso creo que nada tiene sentido. También soy metódico y disciplinado, estricto con el trabajo. En la parte personal intento renovarme siempre, aprendiendo de la gente que me rodea y dejando puertas abiertas para ver qué partes de mí me quedan por conocer. Esa es la única forma de seguir creciendo en esta profesión: no ser consciente de todo lo que eres realmente.

 

I.- ¿En qué momento te sentiste seducido por las artes escénicas?

X.M.- Siempre me gustó llevar el mando en las funciones que hacíamos en el colegio. Me gustaba disfrazarme y hacer el loco de todas las formas posibles. También escribía cuentos sin parar y se los contaba a mis compañeros y a las profesoras. Con el tiempo se transformó en pasión por el cine. Podría decir que el punto clave fue en Bachillerato, cuando decidí hacer mi trabajo final sobre la interculturalidad a través del cine. Ahí decidí que yo también quería contar historias.

 

«una de las mayores satisfacciones de este proceso está siendo ver cómo gente de diferentes sexos, orientaciones sexuales y edades conectan con los personajes por igual»

 

I.- ¿Cómo comenzó tu relación con Microteatre Barcelona?

X.M.- Cuando en enero de 2016 seleccionaron mi obra Salsa Golf. No me atrevía a presentar nada, pues le tengo mucho respeto al teatro, pero un amigo actor no paró de insistirme y finalmente me animé. Dado que el formato comparte mucho con el mundo del cortometraje, por su dimensión y cercanía, pensé que podría defenderlo. Y fíjate, de ahí a estar estrenando mi undécima obra en Microteatre.

 

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I.- ¿Cómo nació el proyecto de “Los Chicos Boreales”?

X.M.- Pues realmente fue durante una sola noche. Quería hablar sobre el dolor que sentimos cuando alguien no nos quiere y, a la vez, entender a la otra parte, al causante de este dolor. Ambos sufren en una situación así y eso me interesaba. Me puse a escribir sobre Javi y Marc y no pude parar hasta terminarla.

 

«soy muy sentimental y me gusta hacer todas las cosas con pasión, sin eso creo que nada tiene sentido»

 

I.- ¿Qué sensaciones te gustaría despertar entre los espectadores de “Los Chicos Boreales”?

X.M.- Identificación. Creo que todo el mundo puede sentirse parte de la historia, pues todos hemos estado en uno de los dos lugares o, incluso, en ambos. Es un regalo ver que esto le pasa a la gente cuando ve la obra. De hecho, una de las mayores satisfacciones de este proceso está siendo ver cómo gente de diferentes sexos, orientaciones sexuales y edades conectan con los personajes por igual. Al final, el amor no entiende de nada más que de eso, de amor.

 

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I.- Si no me equivoco, con “Los Chicos Boreales” se cumple el undécimo estreno de una de tus obras en Microteatre Barcelona. ¿Qué ventajas consideras que ofrece representar obras de 15 minutos para 15 espectadores en 15 m2 respecto a lo que podríamos llamar teatro más convencional?

X.M.- La más importante es la cercanía, tanto en el espacio como el tiempo. En esos menos de 15 m2 puedes lograr meter a la gente dentro de un espacio en el que tienen los actores a menos de un metro. Si consigues hacer lo mismo con el poco tiempo que tienes, la sensación es de estar viviendo junto a ellos una porción de realidad. Eso no lo permite ningún otro formato. Puedes verles casi transparentemente, olerlos y oír sus voces sin que tengan que proyectarlas más de la cuenta. Lo que ves es tan real que, a veces, sientes que estás invadiendo un espacio de intimidad.

 

I.- ¿Hasta qué fecha podremos disfrutar de “Los Chicos Boreales?

X.M.- Estuvimos programados durante el mes de marzo y gracias a la buena acogida hemos prorrogado hasta el 25 de mayo. Quedan ya muy pocos días.

 

«lo que ves es tan real que, a veces, sientes que estás invadiendo un espacio de intimidad»

 

I.- ¿Qué pueden hacer las artes escénicas por la diversidad de identidad sexual y de género?

X.M.- El arte, en general, es una arma en positivo que tiene la capacidad de mostrar muchas más cosas de las que podemos ver en nuestro día a día. La visibilidad es para mí lo más importante que pueden aportar las artes escénicas. Llevamos cientos de años con historias de personajes heterosexuales y los datos de taquilla en el cine, por ejemplo, reflejan que una película con personajes homosexuales no puede alcanzar los mismos datos que las películas con personajes heterosexuales. Los datos vienen dados porque el público heterosexual no se identifica, habitualmente, con una historia protagonizada por personajes LGTB. Yo llevo toda mi vida viendo esas películas de heterosexuales, me he emocionado con ellas y he vivido sus personajes. Así que ahora es el momento de que todo el mundo se pueda identificar con las nuestras. Con las historias de personajes del colectivo LGTB. Es por eso que voy a seguir escribiendo sobre ellos, sobre esos personajes que, gracias al arte, cada día están un poco más presentes.

 

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I.- Estoy convencido, y aprovecho el símil con el hecho de parir a una criatura, de que cada vez que finalizas un trabajo lo llegas a apreciar probablemente con el mismo cariño que al resto de tus anteriores obras; sin embargo, ¿te atreverías a decirme de cuál de ellas te sientes especialmente orgulloso hasta la fecha y por qué?

X.M.- Normalmente la gente no se moja con este tipo de preguntas, pero a mí me gusta mucho hacerlo. En el campo cinematográfico he dirigido muchos cortometrajes e incluso un largometraje. A pesar de tener algunos muy recientes de los que estoy muy contento, el que es más especial es Letargo, que se puede ver en Youtube. Una historia muy personal y que supuso un punto importante en mi desarrollo. Respecto al teatro, a pesar de tener mucho cariño a todas las piezas, destaco Los Chicos Boreales, por haber supuesto la fusión entre ser una pieza muy íntima y haber llegado a tantísimos espectadores. La experiencia está siendo impresionante.

 

I.- ¿Tienes algún referente de la escena teatral?

X.M.- Provengo del mundo cinematográfico, de donde he podido sacar más influencias. La verdad es que siempre me he guiado por lo que a mí me nacía hacer, sin querer tomar referentes. Al inicio de mi carrera estaba muy marcado por referentes del cine de terror de los años 90, pero mis temáticas fueron derivando poco a poco a otros géneros como la comedia y el drama. Ahora mismo creo que mezclo influencias del cine americano en términos de realización y el contenido se asemeja más a las piezas intimistas del cine europeo. Creo que Woody Allen es un gran referente de comedia, pero en el drama debo decir que sigo mi instinto propio.

 

«yo llevo toda mi vida viendo esas películas de heterosexuales, me he emocionado con ellas y he vivido sus personajes. Así que ahora es el momento de que todo el mundo se pueda identificar con las nuestras»

 

I.- ¿Qué pieza del teatro universal sería tu preferida?

X.M.- ¿Puedo contestar en cine? Amarcord, de Federico Fellini, es mi película favorita. Así como también La Dolce Vita. Fellini es lo más.

 

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I.- Para terminar, ¿qué planes profesionales (y que se puedan contar) tienes próximamente?

X.M.- Me meto en demasiados líos. Llevo ya mucho tiempo tirando adelante dos proyectos de largometraje, a la espera de ver cuál de los dos ve la luz primero. Por otra parte he terminado de rodar mi último cortometraje, titulado Transform(arte), que empieza su edición próximamente. En teatro empezaré a desarrollar el guión de mi primera obra larga que, aunque no quiero contar mucho, tiene mucho que ver con Los Chicos Boreales. Y, por último, estoy en pleno proceso de escritura de mi primera novela. Es posible que con tantas locuras a las que me apunto termine por morir de cansancio y no termine ninguna. ¡Crucemos los dedos!

 

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Este fin de semana concluye la representación de “Los Chicos Boreales” en Microteatre Barcelona. Si estás en la Ciudad Condal no pierdas la ocasión de disfrutar de 15 minutos de pura emoción a un precio que ni te lo creerás. Rompe el mito de que ir al teatro es caro con una fórmula que sin duda alguna te va a enganchar.

Últimas funciones desde el jueves 23 de mayo al domingo 26. Consulta los horarios AQUÍ.

Gracias Xavier por conceder a Inéditad esta entrevista. Te auguramos muchísimos éxitos porque el talento está claro que lo llevas contigo. 

 

Texto: Inéditad

Imágenes cedidas por Xavier Miralles.

Entrevista2: Josué Hernández. “No se ha sabido educar para admirar la belleza del desnudo.”

En su inagotable rastreo de talento Inéditad se traslada en esta ocasión hasta el archipiélago canario, concretamente hasta Villa de la Orotava en Tenerife, para entrevistar a este pintor amante del Barroco y de la estética neoplatónica que haciendo uso de la técnica del óleo sobre tabla consigue adaptar magistralmente estas referencias a nuestro siglo. Sorprendido de que a día de hoy el desnudo sea considerado aún algo tabú en nuestra sociedad, este artista reivindica su belleza colaborando a educar la inteligencia de la mirada del espectador a través de sus obras. Autor de la reciente exposición “El Espejo de las Vanidades. Alegorías pintadas sobre la muerte para la sociedad contemporánea”en el Real Club Náutico de Gran Canaria, hoy en el blog Inéditad tiene el placer de presentar al protagonista de su nuevo Entrevista2. Acércate al asombroso trabajo de Josué Hernández:

 

I,- ¿Qué significa el Arte para Josué Hernández?

J.H.- Es difícil de explicar. Supongo que soy muy rancio para dar una definición al uso jaja. Para mí el arte es la oportunidad que tenemos de convertir una idea, un sentimiento o un concepto en algo tangible y, además si se puede, de forma estética.

 

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Retrato de Mark © Josué Hernández

 

La imagen tiene mucho poder porque somos seres sensibles que necesitamos de nuestros sentidos para interpretar el entorno que nos rodea. Y me admiro muchísimo de todas aquellas personas que han aportado al mundo toda la belleza del color, la composición, la armonía e incluso, conseguir plasmar el mundo onírico para que nosotros podamos comprenderlo, todo ello aplicado a la pintura, la escultura, la arquitectura, el urbanismo, la fotografía, el diseño y la ilustración.

 

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La Avaricia. Óleo sobre tabla. 2016 © Josué Hernández

 

I.- ¿Cómo definirías tu estilo?

J.H.- Es una pregunta difícil, la verdad jajaja. Hace muchos años un crítico que vio de casualidad unos dibujos míos me dijo que yo no era nada español. Y aquello me dejó algo perplejo. Con el tiempo supe comprenderlo y en parte le doy la razón. Me admiré tanto del arte italiano que de alguna manera se grabó en mi inconsciente.

 

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Santa Lucía © Josué Hernández

 

Busco ese concepto de belleza neoplatónica tan propia del neoclasicismo decimonónico, pero huyo de esa frialdad de una antigüedad clásica mal entendida que lo popularizó. Quizás sea más bien, esa idea escondida en el dinamismo del Barroco, en su oscuridad, en su ostentación. Pero en verdad yo quiero pintar a la gente de hoy.  Me siento muy cómodo en este siglo.

 

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© Josué Hernández

 

Aunque me sorprende que en pleno siglo XXI aún el desnudo sea tabú para la sociedad contemporánea. No se ha sabido educar para admirar la belleza del desnudo, bueno, no se ha sabido educar la inteligencia de la mirada. En el mundo de la imagen no sabemos leer.

 

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© Josué Hernández

 

I.- ¿Cuándo comenzó tu relación con el mundo del Arte?

J.H.- Supongo que desde pequeñito.  En La Orotava, mi localidad natal, abundan piezas artísticas de distintos estilos, épocas y procedencias. En ellas me embebía y me admiraba, y comenzaba a reproducirlas con poco éxito en dibujos. Pero en verdad el punto de inflexión lo puso la pequeña biblioteca doméstica de mi padre. Podía estar horas leyendo libros sobre arte, arquitectura e historia, y aprendí a amar la lectura. Recuerdo que el día de Reyes más feliz de mi infancia, tendría yo 11 ó 12 años, fue cuando me regalaron Arte y Arquitectura en Italia de Rudolf Wittkower.

 

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Descanso en Egipto (Detalle) © Josué Hernández

Pero jamás pensé dedicarme a la pintura. Me gustaba muchísimo el arte y dibujaba, pero mis derroteros fueron por otros lados. Comencé Arquitectura en la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria pero lo abandoné para terminar, sin querer queriendo, pintando la mona jaja. Fue muy difícil para mí, porque jamás en mi vida había cogido un pincel ni pintado nada, pero supe adaptarme. Y bueno, así acabé, rodeado de pinceles y cuadros.

 

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Alegoría de la Ira © Josué Hernández

 

I.- ¿Con qué técnica te sientes más cómodo?

J.H.- He encontrado mi sitio con el óleo, especialmente sobre tabla. Me permite conseguir ese acabado que busco para mis obras y que se adapta muy bien a mi personalidad.

 

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Ánimas © Josué Hernández

 

I.- ¿Por qué te decantas más, por el pequeño o por el gran formato?

J.H.- Me considero un pintor de miniaturas. Confieso que me hacen particularmente feliz, supongo que por comodidad. El gran formato tiene un mayor impacto visual y reconozco que hay obras que son más que necesarias en tamaños grandes. Pero el gasto de tiempo y materiales que conlleva a veces puede ser excesivo. No soy una persona que deje nada a la casualidad e intento que todos los centímetros cuadrados de la obra lleven el mismo cariño y esmero. También pienso que vivimos en el mundo de la inmediatez. Todos queremos las cosas al momento, y hay trabajos que llevan mucho más que exceso de paciencia. Yo todo lo trabajo a través del dibujo y la pintura, no hay nada digital que facilite ni agilice el trabajo, y a veces la presión para terminar una obra es mucha.

 

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Jacobo (Detalle) © Josué Hernández

I.- ¿Qué consigues expresar a través de tus retratos?

J.H.- Busco plasmar de alguna manera la belleza según mi punto de vista. Intentar sacar lo mejor del modelo y conseguir transportarlo a otro plano, como hacían los griegos y romanos con sus héroes y dioses.

 

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© Josué Hernández

 

I.- ¿De las obras o de las series realizadas hasta el momento, hay alguna de la que te sientas especialmente orgulloso? ¿Por qué motivo?

J.H.- No es la mejor obra, pero me siento especialmente orgulloso de la Alegoría del Desengaño. Fue la primera obra en gran formato y tuvo mucho éxito en las redes sociales y para la crítica. Pudo contemplarse de forma inédita en la exposición que tuvo lugar hace una semana en Gran Canaria y me sorprendió el ver que la gente seguía admirándose con ella. Es algo que me hace sentir muy satisfecho.

 

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Alegoría del Desengaño. Óleo sobre tabla. 2015 © Josué Hernández

 

Pero sentirme orgulloso, por suerte, creo que muchas de ellas. El Descanso en el regreso de Egipto, San Francisco de Asís o el Cuadro de Ánimas, en lo religioso, o la Alegoría de la Muerte y la Alegoría del Tiempo son algunas de las obras en las que he conseguido sacar mi mejor yo, o al menos sigo recordándolas con mucha nostalgia y ganas de emprender de nuevo una aventura pictórica al estilo.

 

El Espejo de las Vanidades

El Espejo de las Vanidades © Josué Hernández

 

I.- Josué, ¿si te propusieran colaborar con un artista para llevar a cabo una obra conjunta, ¿a quién se te vendría a la mente?

J.H.- Gonzalo Sabina. Se lo prometí desde hace años y nunca me he olvidado de ello. Espero encontrar algún día el momento de llevarlo a cabo.

 

008 Gonzalo Sabina. Selfie Sobre Mar de Nubes. Óleo sobre tela

Gonzalo Sabina. Selfie Sobre Mar de Nubes. Óleo sobre tela

 

I.- ¿Qué crítica harías sobre el mercado del arte contemporáneo en nuestro país?

J.H.- Yo entiendo que cada estilo tiene su público. Pero sí me ofende mucho la mercadotecnia que hay detrás del arte contemporáneo y que se infravalore a la gente, etiquetándola de ignorante, si no gustan de las nuevas tendencias artísticas o no le convence lo que ven. Cada persona es libre de sentir y de expresar con respeto lo que piensa. No puede llover siempre a gusto de todos.

Y en cuanto al mercado…quizás yo sea muy clásico. No entiendo los hiperbólicos precios aplicados a objetos absurdos como un vaso con agua, cuyos 20.000€ causó mucha polémica hace años en la feria ARCO. Todo esto ya roza el ridículo.

 

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© Josué Hernández

 

I.- ¿Cuáles serían algunos de tus referentes?

J.H.- A nivel insular puedo decir que Fernando Estévez [1788-1854] fue una pieza clave para mí. Pues con él aprendí los valores plásticos de hacer tangible la belleza idealizada. Pero ¿referentes?…miles. Es muy difícil porque se me agolpan muchísimos nombres en la cabeza de artistas de admiro de los que tengo mucho que aprender, si es que algún día aprendo. Pintores españoles desde Murillo a los Madrazo, José Moreno Carbonero o José Benlliure, los pintores venecianos del XVI como Paolo Cagliari, Tintoretto o Tiziano, hasta academicistas rusos como Henryk Siemiradzki, sin olvidar nunca la pintura americana de la que tanto hay que admirar como José de Ibarra o Miguel Cabrera. Pero también han jugado un papel fundamental Pedro y Luisa Ignacia Roldán, Bernini, Melchiore Cafà, y tantos que me sabe mal no nombrarlos a todos.

 

010 L'Oncle Andreu de Rocafort de José Benlliure. Artista valenciano cultivador de la pintura costumbrista

L’Oncle Andreu de Rocafort de José Benlliure. Artista valenciano cultivador de la pintura costumbrista

 

I.- ¿Qué obra de arte universal sería tu preferida y por qué?

J.H.- Es una pregunta más compleja todavía jajaja. Supongo que no podría responderla. Son muchísimas las obras del arte universal que podrían disputar por ser mi preferida y dejar algunas en segundo plano sería injusto. Pero sí podría decir una que me define muy bien y es el Rapto de Perséfone de Bernini, conservada en la Galleria Borghese de Roma. En ella encuentro toda la belleza de la anatomía, el dinamismo del movimiento, el vigor de la musculatura y la sensualidad de la joven doncella.

 

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Ratto di Proserpina. Escultura en mármol de Gian Lorenzo Bernini realizada entre 1621 y 1622.

 

I.- ¿Qué valor le das a las redes sociales? ¿tienes alguna de cabecera?

J.H.- No dispongo de mucho tiempo libre…bueno, de tiempo, en general. Soy una persona muy ocupada y mi mente se dispersa siempre en mil quehaceres. Por ello encontré mucha comodidad en Instagram. Aunque hay veces que entro durante 5 minutos, tres veces al día, o llego a contestar comentarios 5 meses después. Lo sé, soy un auténtico desastre para las redes sociales y aprovecho para pedirle a mis seguidores disculpas y que conmigo tengan altas dosis de paciencia jajaja.

 

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Centauro © Josué Hernández

 

Pero sí, Instagram me ha permitido conocer gente extraordinaria, compartir mi trabajo y establecer contactos a nivel profesional. Hoy en día las redes sociales han generado un punto de inflexión a la hora de entender la difusión del trabajo y la publicidad. Pero también quiero poner en valor, quizás a nivel personal, que detrás de cada foto o cada cuenta, hay una persona con una vida y unos sentimientos. A veces pensamos que todo se reduce a una pantalla de un móvil o un ordenador. Es por ello que me quedo con todas las experiencias compartidas y el afecto y cariño que han puesto cada persona que he pintado para con mi trabajo.

 

 

I.- A día de hoy, ¿en qué ciudad en la que aún no lo hayas hecho te encantaría exponer?

J.H.- En todas jaja. Pero si tengo debilidad por Málaga, Valencia, Madrid y Barcelona, especialmente estas dos últimas por el ambiente cultural que respiran. Además, creo que mi obra tendría en ellas muy buena acogida.

 

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Muerte © Josué Hernández

 

I.- Si tuvieras que escoger una canción de fondo mientras pintas, ¿cuál escogerías?

J.H.- Jajaja…Suelo escuchar música según mi estado de ánimo o, incluso, de cómo amanezca el día a nivel meteorológico. Pero creo que la ideal sería Truly de Cigarettes after sex. 

(Es el momento de darle al PLAY):

 

 

I.- ¿Qué proyectos de futuro tienes sobre la mesa?

J.H.- Hay bastantes, la verdad. Pero necesitan mucho tiempo para ver la luz todavía. Quizás lo más próximo que veamos sea una exposición de Vanitas, con los desnudos con calaveras por protagonistas, u otra de miniaturas de temática sacra.

 

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© Josué Hernández

 

Descubre más sobre Josué Hernández en:

https://www.instagram.com/josuehernandez_painter

http://zakinthosv.tumblr.com

 

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Texto: Inéditad

Imágenes cedidas por © Josué Hernández

Entrevista2: Vorja Sánchez. La fantasía de la naturaleza hecha Arte

Inéditad arranca esta nueva temporada de una forma muy especial. Concretamente con la publicación de esta nueva vídeo entrevista cuyo protagonista hace de su proceso creativo un momento de introspección íntimo y reflexivo.

 

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Para este joven ilustrador y muralista residente en Barcelona las formas de la naturaleza son una constante fuente de inspiración, inspiración que transforma en unas personalísimas obras cuyas criaturas principales son fruto de la fusión de un imaginario inherente maravillosamente surrealista y de un estilo único calificable como orgánico.

 

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Va a ser su propia voz acompañada de algunos de estos extraordinarios trabajos la que nos va a explicar lo que significa el Arte para él, el valor que le da a su profesión, lo que pretende transmitir al espectador, así como lo que le gustaría conseguir artísticamente.

Hoy en el blog Inéditad te invita a que conozcas de primera mano el talento de Vorja Sánchez. Aquí tienes su particular Entrevista2. ¡Dale al Play!

 

 

Texto y edición: Inéditad

Imágenes del vídeo cedidas por Vorja Sánchez.

Imágenes de la intervención escultura «Ceferino»: Ornamante.

 

Descubre más sobre el artista en:

https://www.facebook.com/vorjailustracion/

https://www.instagram.com/vorjailustracion/

Entrevista2: Iñaki Bellver o como conectar con el mundo interior del artista y del espectador

36 años, residente en Barcelona, nacido en Ontinyent y cautivado por la isla italiana de Sicilia. Formado como ilustrador en la EASD de Alcoi, se especializó en esta disciplina en la Escola Massana. Además de la ilustración, cuenta con ocho años de experiencia como librero y ha sido profesor de dibujo y pintura en varias academias de arte. 

Hoy él es el protagonista de Inéditad gracias a su colaboración con este nuevo Entrevista2. Descubramos mucho más sobre el artista y la persona que hay detrás de Iñaki Bellver.

 

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I.- ¿Cómo definiría Iñaki Bellver el Arte?

I.B.- Para mí es aquello con suficiente capacidad o fuerza como para conectar con algo interno y que concierne tanto al artista como al espectador.

 

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I.- ¿Serías capaz de calificar tu estilo en una sola palabra?

I.B.- Iniciático.

 

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I.- ¿Cuándo comenzó tu relación con el mundo del Arte?

I.B.- Inicia muy temprano, en la infancia. Fui un niño de los 80 que se dedicaba a dibujar todo aquello que veía en la tele, sobre todo si eran dibujos animados. Mis padres no tardaron en apuntarme a clases de dibujo y pintura. Además vengo de una familia donde siempre ha habido una cierta inclinación por lo artístico.

 

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I.- ¿Con qué técnica te sientes más cómodo y por qué?

I.B.- Grafito, carbón y tinta. Aunque resulte paradójico por el contenido de mi obra, que es básicamente dibujística, me encanta el color pero intento transmitir ideas y dibujar, más que pintar, me ayuda en esa tarea. 

 

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I.- Echando un vistazo a tus ilustraciones se observa que estas están repletas de simbología ¿Cuál es el mensaje (o mensajes) que principalmente pretendes lanzar a través de tu obra?

I.B.- Me apasionan los caminos iniciáticos y las disciplinas espirituales como el soto zen. En mi trabajo hay una parte de introspección porque procuro encontrar mis propios símbolos, extraídos de mi vida como ideas y experiencias que me gusta jugar a simbolizar. Elementos del verano, insectos, el mar; personas solitarias en actitud de reflexión; la muerte; la física cuántica; la música; la botánica; el universo… hay muchas disciplinas y saberes que me encantaría haber tocado. Dibujar esas ideas e intentar encontrar puntos en común me ayuda a reflexionar sobre ellas y a conectar todo aquello que creo que en cierta manera me identifica.

 

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I.- Iñaki, ¿si te propusieran colaborar con un artista para llevar a cabo una obra conjunta, ¿Quién sería el primero (o primera) que te vendría a la mente?

I.B.- Hayao Miyazaki. 

 

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Hayao Miyazaki es un director de películas de animación, productor, guionista y artista manga japonés co-fundador del internacionalmente conocido Studio Ghibli.

 

I.- ¿Hay alguna disciplina artística que aún no hayas probado y que te gustaría experimentar?

I.B.- Son muchas, pero sin duda me decantaría por la animación.

 

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I.- ¿Qué obra del arte universal sería tu preferida y por qué?

I.B.- Relojes blandos, de Salvador Dalí. Siendo un chaval me regalaron un libro de sus pinturas y me marcó. Muy especialmente esta obra. Esa capacidad de remover estados de ánimo sin dejar por ello de transmitir una idea muy concreta por parte del artista… esa sensación de soledad, de quietud, que me hacía reflexionar mucho, y eso es también lo que pretendo en mi obra. Estoy en esa lucha.

 

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I.- ¿Qué valor le das a las redes sociales? ¿tienes alguna de cabecera?

I.B.- Evidentemente las redes sociales son necesarias pero procuro estar más sobre la mesa de dibujo ya que mi trabajo es principalmente un trabajo manual, en el sentido clásico, de tocar lápiz y pincel. Poca pantalla.

 

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Desde hace un tiempo vengo usando Instagram. Es la plataforma con la que me encuentro más cómodo interactuando y la que me permite perder menos tiempo y dispersarme menos.

También tengo página en Behance, porque a diferencia de Instagram, que es más dinámico, ésta me da la posibilidad de tener un espacio más contenido y sin tanto ruido, más en formato aparador, por llamarlo así.

 

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I.- Decía Oscar Wilde “En los almuerzos de banqueros se habla de Arte, en los de artistas, de dinero”. ¿Qué opinión tienes sobre la situación de los artistas emergentes en nuestro país?

I.B.- Que la situación es difícil. Tengo amigos pintores, bailarines, ilustradores, fotógrafos… en todas las profesiones hay que pelear muy duro. La mayoría se cocina los recursos para salir adelante como puede, especialmente a la hora de vender. Hace falta mucho oxígeno. En el campo de la ilustración, por ejemplo, compruebas que la situación de muchos artistas/ilustradores, sobre todo cuando empiezan, está llena de baches comunes que te hacen reflexionar sobre si los obstáculos dependen del sistema. Afortunadamente, en los últimos años han aparecido asociaciones y plataformas de apoyo para ilustradores donde hay muchísima información y ayuda.

 

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Su interés profesional se decanta por la ilustración editorial colaborando con revistas como Oculta Lit, Homonosapiens, Quimera y Le Cool. Su primera exposición individual tuvo lugar en La Casa del Libro de Rambla Catalunya, siendo el primer artista que inauguró la sala de actos de dicho espacio. En la actualidad Iñaki Bellver combina su actividad como ilustrador con su trabajo en la Fundació Joan Miró.

 

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Foto de Juan Carlos Calduch

 

Texto: Inéditad

Imágenes cedidas por Iñaki Bellver

Descubre más sobre el artista en:

https://www.behance.net/inakibellver

https://www.instagram.com/inaki.artwork

 

Entrevista2 con Emmanuel Lafont: «No me puedo acostar sin dejar de hacer arte y no me puedo levantar sin dejar de ser artista».

Empezó vendiendo sus obras en la calle, cerca del malagueño Museo Picasso, en un momento en el que quizá todavía no era muy consciente del enorme talento que poseía para la noble disciplina del dibujo. Viajero empedernido, Emmanuel Lafont llegó a Málaga desde su Buenos Aires natal impulsado por un enigmático destino, convirtiéndose poco tiempo después en unos de los ingredientes necesarios de un caldo de cultivo que ha llevado a esta ciudad al punto de ebullición cultural que vive en la actualidad.

 

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Formado artísticamente en Bellas Artes por la Universidad de Córdoba (Argentina) y en el Art Center South Florida de Miami donde trabajó como asistente, este artista virtuoso en la técnica del grafito y de la tinta demuestra tener la inusual capacidad de plasmar tanto en papel como en soportes tan diferentes como una tarjeta para archivar, una servilleta, una fotografía o un cuaderno de viaje, sus sensacionales ilustraciones, las cuales guardan mucho de autobiográfico y mucho de magia narrativa.

 

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Sus experiencias personales junto a la búsqueda de nuevos lenguajes artísticos unido a sus innatas dosis de imaginación y a una técnica precisa y detallista, son tan solo algunos de los elementos que han conseguido elevar la obra de Emmanuel Lafont a la categoría de admirable.

 

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En su última visita a Málaga Inéditad tuvo el placer de entrevistarle en su estudio y fruto de aquel encuentro nace esta vídeo entrevista en la que nos habla de sus comienzos, de su insólito proceso creativo, de lo que le inspira y de lo que el Arte en definitiva significa para él. Un privilegio para este que escribe el haber contado con su generosa colaboración.

Hoy en Inéditad Emmanuel Lafont es el absoluto protagonista. Descúbrelo dándole al PLAY:

 

 

Texto y vídeo: Inéditad

Imágenes:

http://www.emmanuellafont.com/

https://www.facebook.com/PICASSOisNOTtheONLYONE/

https://www.instagram.com/emmanuellafont/

Entrevista2: Arte Digital en potencia de la mano de Bekim Aliji @bekzter

Today’s Entrevista2 protagonist is a young man but highly qualified. With a master degree in Architecture, dancer and a self taught digital artist, Inéditad found his work in Instagram and he didn’t hesitate in making contact with him for suggesting an interview. Inéditad was sure that someone with this emerging talent could have many interesting things to say and to share. And he wasn’t wrong. Born and resident in Sweden. 30 years old. Inéditad introduces you in his new post today (in English and in Spanish) the art of Bekim Aliji @bekzter .

 

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Poco le hace falta al protagonista del Entrevista2 de hoy para ser definido como joven pero sobradamente preparado. Licenciado en arquitectura, bailarín y artista digital autodidacta. Inéditad descubrió su trabajo a través de Instagram y no dudó un instante en contactarle para proponerle una entrevista. Sabía seguro que alguien con este talento en potencia tenía muchas cosas interesantes que decir y que compartir. Y no se equivocaba. Nacido y residente en Suecia, 30 años. Hoy Inéditad te descubre en su último post en el blog (in English y en español) a Bekim Aliji @bekzter .

 

 

 

I. – Architect, dancer and now digital artist. When did you decide to explore this artistic side of you and why?

B. – I have always had many interests, ever since I was a kid. I was curious and wanted to do everything and learn everything.

I used to sing and dance a lot, pretending to be Michael Jackson. I would have my mother film me as I performed my shows in the living room.

I also had a talent for drawing, I especially liked drawing female faces and houses for some reason. Every time someone visited us, I would ask them how they wanted to live and would draw a house for them. So my mother took me to an art class when I was 6. I kept on drawing, and dancing, singing, reading, and I enjoyed school and loved learning.

 

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When I was 15 I got my first computer as a present, and it came with a version of Adobe Photodeluxe on it. It was basically a simple version of Photoshop, and I remember playing around and absolutely fell in love with it. I was fascinated by the idea that I could create anything I wanted, any scenarios. This blew my mind, and I would sit on the computer all day and all night trying to perfect the editing, and figuring out compositions and shadows and how to make it look as real as possible.

This was before the time when we all had internet at home, or youtube, online tutorials or blogs. I’m self-taught through trial and error and I would look in magazines and books for images that I could use and I would scan them into my computer and edit from there.

 

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Eventually I had to figure out what to do with my life, with all these passions that I had. I remember a friend told me “Well, you have to choose something, you can’t do everything!”, which triggered me to do exactly that.

I chose to pursue architecture, because my love for buildings was really strong and it was the career that would secure me the best financially. But I also started taking dance classes and trained for 10 years. I was in dance groups performing, and toured as a background dancer, while I was still working full time as an architect.

Through dance I started to get into filming and editing dance concept videos.

After a few years people were contacting me around Scandinavia and asking me to do photoshoots or a video edit.

So, I decided to start my own firm, where I now do graphic design, photography, videography, and smaller architectural or design projects.

It was in June 2017, when I decided to start using my Instagram as a creative outlet for myself. I loved it, because there was no pressure, no expectations and deadlines, it wasn’t a job for someone else, there was no one telling me how they want it, or that my ideas were too crazy. I just felt like I needed to try out my ideas. There’s no greater feeling than creating something that didn’t exist before, and then it does. People also seem to enjoy them, which is very nice but I try not to focus on that. But maybe some little weird kid like me will see them and start exploring digital art themselves.

So, I work full-time as an architect as my main thing, I have the firm for my other interests as my side thing, and I have Instagram as an outlet for my own thing.

 

I. – Arquitecto, bailarín y ahora artista digital. ¿Cuándo decidiste explorar esta faceta artística y por qué?

B. – Siempre he tenido muchas inquietudes, desde que era un crío. Era curioso y quería hacerlo todo y aprenderlo todo. Solía cantar y bailar bastante, intentando ser Michael Jackson. Obligaba a mi madre a grabarme mientras yo hacía mis actuaciones en el salón.

También era talentoso para el dibujo, por alguna razón que desconozco me gustaba dibujar especialmente rostros de mujer y casas. Cada vez que alguien nos venía a visitar, yo les preguntaba cómo les gustaría vivir y entonces les dibujaba una casa. Posteriormente, cuando tenia 6 años, mi madre me llevó a clases de arte. Continué dibujando, bailando, cantando, leyendo y disfrutaba del colegio. Me encantaba aprender.

 

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A los 15 años me regalaron mi primer ordenador y éste venía con una version de Adobe Photodeluxe. Era básicamente una version sencilla de Photoshop y recuerdo lo mucho que me gustaba practicar con ella. Estaba fascinado con la idea de que podia crear cualquier cosa que quisiera, cualquier situación. Ello me apasionaba, podia estar todo el día y toda la noche frente al ordenador intentando conseguir la edición perfecta y realizando composiciones y formas que parecieran lo más reales posibles.

Todo eso fue antes de que tuviera internet en casa. No tenia ni Youtube con sus tutorials, ni blogs. Era un autodidacta a base de acierto y error que buscaba en libros y revistas imágenes que pudiese utilizar para escanarlas en mi ordenador y posteriormente editarlas.

 

 

 

No sabía aún que es lo que me gustaría ser en el futuro con todas esas aficiones que tenia. Recuerdo que un amigo me decía “Bueno, tienes que escoger algo, ¡no puedes hacerlo todo!”.

Decidí decantarme por la arquitectura porque me gustaban mucho los edificios y era la carrera que más me podría beneficiar económicamente. Sin embargo, empecé también a tomar clases de danza y seguí con ellas durante 10 años.  Actuaba en grupos de danza mientras trabajaba a tiempo completo como arquitecto.

A través de la danza empecé a grabar y editar vídeos de baile. A los pocos años, personas de toda Escandinavia comenzó a contactarme y a solicitarme sesiones de fotos y video edición. De este modo decidí crear mi propia marca, en la cual ahora hago diseño gráfico, fotografía, videografía, y pequeños proyectos de arquitectura y diseño.

 

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En junio del año pasado decidí comenzar a usar Instagram como mi propia plataforma creativa. Me gustaba, porque no había presión ni expectativas, no se trataba de un trabajo para alguien, es decir, no había nadie que me tuviera que dar instrucciones de lo que quería o que pudiese considerar que mis ideas fuesen alocadas. Sólo tenia la necesidad de expresarlas. No hay major sensación que la de crear algo que todavía no existe y hacerlo. A la gente parece gustarle lo que hago, lo cual está muy bien, sin embargo yo intento no focalizarme en eso. Quizá algunos chicos que sean peculiares como yo, vean mi trabajo y empiecen ellos mismos a explorar digitalmente.

En resumen, trabajo a jornada completa como arquitecto,  tengo mi marca e Instagram para el resto de cosas que me interesan.

 

I. – Why do you prefer digital technique to express yourself?

B. – I think it is the freedom of creating whatever kind of art, whenever and wherever. It’s like an escape from reality. I don’t have to have a studio, or brushes and colors and canvases with me, or need to search for the right locations to shoot. All I need is my laptop and my mind, and I can be in the middle of a desert and create an animation of me in a snow storm covered in ice, or something crazy like that.

There are no limits.

 

I. – ¿Por qué prefires la técnica digital para expresarte?

B. – Porque es la libertad de crear en cualquier tipo de arte, cuando sea y donde sea. Es una salida de la realidad. Yo no necesito un estudio, unos pinceles o un lienzo y tampoco preciso una localización para filmar. Lo único que requiero es mi portátil y mi mente. Con él puedo estar en medio de un desierto y crear una animación sobre mi en una tormenta de nieve cubierto de hielo, o alguna locura así.

No hay límites.

 

 

 

I.- Which of your artworks are you proudest of?

B.- My favorite ones are not on Instagram, and they are not the most creative or popular ones, but the silly, funny ones. I like using humor and absurdity in my artwork. Absurdity and humor challenges the way we see ourselves and society, and lets us take a step back and not take ourselves too seriously. People in general just need to relax! Life is not always that serious. And creating a piece that shows humor is a tiny reminder of that. That’s why memes have become such a vital part of our everyday life. It’s a mirror of our society and how weird we actually are, but also how we are all the same, and they connect us.

If we’re talking about my Instagram posts, one of my favorites is one where I turned my fingers into deer horns. It’s a very simple photo, with a warm brown color tone, nothing extraordinary. The caption is “Oh deer, he’s so horny!” and it’s a wordplay with the words “deer” and “dear” and the word “horny” meaning having horns, but also meaning aroused. The idea came to me when I was drunk in a nightclub waiting in line for the toilet and saw a beautiful picture of a deer on the wall, and I said “Oh deer!” and started laughing to myself cause of the deer/dear pun. It’s stupid and it’s not important, but it sparked an idea that made me smile. And that’s why I like it. That fun and seemingly frugal moment in the toilet queue is now a memory forever recorded in that photo, and will take me back to that feeling every time. Silly and simple.

 

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I.- ¿De cuál de tus trabajos te sientes más orgulloso?

B.- Mis favoritos no están en Instagram y no son los más creativos o populares, pero sí los más tontos y divertidos. Me gusta emplear el humor y lo absurdo en mis trabajos. Ambos desafían la forma de vernos a nosotros mismos y a la sociedad y nos permiten ver las cosas con perspectiva y no tan seriamente. ¡La gente en general necesita relajarse! La vida no es siempre tan seria. Crear una obra que muestre humor es una pequeña forma de recordarlo. Por este motivo los memes se han convertido en una parte vital de nuestro día a día. Son un reflejo de nuestra sociedad, de lo raros que realmente somos y de lo mucho que nos parecemos. En cierto modo nos conectan.

Si hablamos de los publicados en Instagram, uno de mis favoritos es uno en el que mis dedos se transforman en cuernos de ciervo. Es una foto muy simple, con un tono cálido de color marrón, nada extraordinario.  El título es “Oh deer, he’s so horny!”, se trata de un juego de palabras con “deer”, “dear” y “horny” quiere decir llevar cuernos, en el sentido provocativo del término.  La idea me vino cuando estaba borracho en un bar esperando en la cola del baño y vi una preciosa fotografía de un ciervo en la pared, exclamé “Oh ciervo!”. Empecé a reírme yo solo a causa del juego de palabras “deer / dear”. Es algo estúpido y poco importante, pero desencadenó en una idea que me hizo sonreír. Y esa es la razón por la que me gusta.

Ese momento divertido y aparentemente frugal en la cola del lavabo es ahora un recuerdo  grabado para siempre en esa foto, capaz de transportarme a ese sentimiento cada vez que la veo. Simple y sencillo.

 

I.- What does art mean to you?

Art is a way to connect with others. And connection with other human beings is why we are here. Art can be and mean anything. With art you can express your thoughts, your joy, your pain, or whatever you’re feeling or thinking. It’s like a printer for your mind and emotions. You literally take something non-tangible that only exists in your mind, and you turn it into something that didn’t exist before you thought it. That’s incredible! Everything you see or hear, every song you’ve heard, every show, every book, piece of clothing, hairstyle, building, instrument, is a result of someone creating something that wasn’t there before they thought or felt it.

 

I.- ¿Qué significa el Arte para ti?

El arte es la manera de conectar con los otros. Y la conexión con otros seres humanos es la razón por la que estoy aquí. Arte puede ser y puede significar cualquier cosa. Con el arte puedes expresar tus pensamientos, tu alegría, tu dolor, o lo que sea que tú sientas o creas. Es como una impresora de tu mente y de tus emociones. Tomas literalmente algo no tangible que solo existe en tu cabeza y lo conviertes en algo que no existía antes de que lo pensaras. ¡Eso es increíble! Todo lo que puedas ver u oír, cada cancion que tu puedas escuchar, cada actuación, cada libro, prenda de ropa, peinado, edificio, instrumento, es el resultado de alguien creando algo que no estaba ahí antes de que lo pensara o sintiera.

 

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I.- What would you like to try out artistically?

B.- I would like to do more merging of different techniques into one piece. Lately I’ve started with animations made from still photos. But I also want to draw and paint more digitally, so I can create the environments from scratch, instead of piecing together different photos. And also continue to evolve video editing techniques. It’s hard to find the time though, as this is something I do on the side of a demanding job.

 

I.- ¿Qué te gustaría lograr artísticamente?

B.- Me gustaría profundizar más en diferentes técnicas. Últimamente he empezado con animaciones a partir fotos. Pero también quisiera dibujar o pintar más digitalmente, crear desde un elemento en lugar de trocear conjuntamente diferentes fotos.  Y también continuar evolucionando en las técnicas de video edición. Es complicado encontrar el tiempo, aunque esto es lo que suelo hacer en lugar de buscar trabajo. 

 

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I.- Any project in the future that can you talk about?

B.- I have a few collaborations planned with other visual artists, mainly on Instagram. I also have a huge private project in the works, but nothing I can talk about. Because as soon as I start talking about an idea I have, I kind of release that excitement of creating it and I end up losing momentum and not going through with it.

 

I.- ¿Algún proyecto de futuro que se pueda contar?

B.- Tengo algunas colaboraciones planeadas con otros artistas visuales, principalmente en Instagram. También tengo un proyecto privado del cual no puedo hablar. Cuando empiezo a hablar sobre una idea entro en un momento de excitación que me hace perder el tiempo y no ir directo al asunto.

 

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I.- Complete this sentence: «I wouldn’t want to die until I could…

B.- …say I’ve lived wholeheartedly. And had a drink with Beyoncé.

 

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I.- Completa esta frase. “No querría morir hasta que pudiera…”

B.- haber vivido intensamente. Y tomar algo con Beyoncé.

 

I.- Who is your favorite artist and why?

B.- Oh that question is hard. It’s like asking what is your favorite song. It changes daily. But the artists I’m most obsessed with are usually not that well known, and have found their unique niche and stay true to their originality. You can always tell who creates for their own fulfillment”, and who does it for praise. There is a guy called Adam Hale who’s Instagram page I really love, it’s called @the.daily.splice . I’ve been following him for years, and I can see how much he has evolved, but has still stayed true to his technique.

Manolo Blahnik is an artist I admire. He revolutionized the shoe, and his success is solely based on him creating to fulfill his own desires. He uses his life experiences and humor to create shoes that he likes himself, not designing after what is marketable and will sell.

 

a-Manolo Blahnik

 

I.- ¿Quién es tu artista favorito y por qué?

B.- Vaya, esta pregunta es difícil. Es como preguntarte cuál es tu canción favorita. Es algo que cambia diariamente. Pero los artistas con los que más estoy obsesionado son aquellos que no son tan conocidos, que hayan encontrado su lugar y que sean originales. Podría decir aquellos que crean para su propia satisfacción o aquellos que lo hacen por elogio. Hay un chico llamado Alan Hale cuyo perfil en Instagram me encanta. Se llama @the.daily.splice. Lo llevo siguiendo desde hace años y he podido ver cuánto ha evolucionado sin dejar de ser fiel a su técnica.

Manolo Blahnik es un artista que admiro. Ha revolucionado el zapato y su éxito reside básicamente en la creación de sus propios deseos. Utiliza sus experiencias vitales y su humor para crear zapatos que a él mismo le gustan, no con el objetivo comercial o de venta.

 

I.-  Which is your favorite museum?

B.- I have many. One that left a huge impression was The Jewish Museum in Berlin, by architect Daniel Libeskind. The way he used the building to create moods and tell stories about the jews’ situation during the war, is absolutely remarkable. I don’t even remember anything that was part of the exhibition, I only remember how the building came to life with the narratives he incorporated into the design.

 

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I.- ¿Cuál es tu museo favorito?

B.- Tengo muchos. Uno que me impresionó mucho fue el Museo Judío de Berlín del arquitecto Daniel Libeskind. El modo en que utilizó el edificio para crear estados de ánimo y contar historias sobre los judíos durante la Guerra. Es absolutamente extraordinario. No recuerdo nada que formase parte de la exposición, solo recuerdo como el edificio cobraba vida con las narraciones que incorporó en el diseño.

 

I.- Which city that you have visited would you prefer to live in?

B.- New York City has a special place in my heart. Every time I go there, my soul just lights up. I’m going back in May to explore it more and hopefully figure out essentially what it is that draws me to the city.

 

New York City Aerial Skyline at Dusk, USA

 

I.- ¿En qué ciudad de las que has visitado te gustaría vivir?

B.- Nueva York ocupa un lugar especial en mi corazón. Cada vez que voy, mi alma se ilumina. Vuelvo a ir en mayo para explorarla más y resolver qué es lo que tanto me atrae de esta ciudad.

 

I.- If you were extremely rich, which artwork or painting would you want to buy?

B.- I would buy that hilarious restoration that Cecilia Giménez did in 2012 of the 1930 Jesus fresco, Ecce Homo, by Martinéz.

It’s the perfect example of humor and absurdity that I mentioned before. The restoration was so bad, it was ridiculed all over the world. But it turned into a phenomenon and saved that Spanish town. Their economy skyrocketed as hundreds of thousands of tourists went to see it, and businesses were profiting. It’s a disaster that turned into a miracle, and vineyards are now fighting over the right to use the image on their wine labels.

I would want to have that piece at home and be reminded every day that humor is the key to turn the whole world around, and connect us all. Even Jesus knows that now.

 

Vía Gorka Elarcegui para El Pais

«Ecce Homo» Fotografía de Gorka Lejarcegui (EL PAIS)

 

I.- Si fueras extraordinariamente rico, ¿qué obra de arte te comprarías?

B.- Compraría la hilarante restauración que Cecilia Giménez hizo en 2012 del “Ecce Homo”, el fresco de Jesús de 1930 de Martínez.

Es el ejemplo perfecto de humor y absurdidad que te he comentado antes. La restauración era muy mala, fue ridiculizada en todo el mundo. Pero se convirtió en un fenómeno, especialmente para el pueblo español donde se encuentra. Su economía creció y miles y miles de turistas fueron para verlo. Los comercios lo aprovecharon. Un desastre que se transformó en un milagro. Hay bodegas que ahora luchan por obtener los derechos de imagen para sus botellas de vino.

Me gustaría tener esa obra en casa y recordar cada día que el humor es la clave para que el mundo gire y nos conecte a todos. Incluso ahora hasta Jesús lo sabe.

 

 

 

I.- What would be your advice to new artists just starting out?

B.-  The key is to be curious about life and to stay curious. Explore your curiosity, and see where it takes you. Please don’t take yourself too seriously, that will kill your creativity (even though this interview kind of makes me look like I’m taking myself too seriously).

I guess my advice is to just focus on expressing themselves in the way that fulfills them. Don’t worry about keeping up with other artists, and don’t get addicted to the praise of others. Because you’ll end up trying to please the audience, and changing the intention of why you are creating. Instead you need to create for yourself, and the right audience will find you and stay. “If you build it, they shall come”.

 

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If you can find a way to channel all your experiences and emotions into creating, you will start to appreciate those moments, even the hardships. I’ve had a very hard life and a tough childhood. But the pain became my muse for creating, and what I created became a muse to deal with the pain. It’s a very healthy circle that heals you. So in the end, your art is not just a beautiful oil painting that someone buys from you to decorate their wall. To you, it will be a fragment of your journey, and a testament to the fact that only your experiences combined with your mind and your abilities could create something that didn’t exist, and now does. Art heals.

 

 

 

I.- ¿Cuál sería tu consejo para aquellos artistas que empiezan?

B.- La clave es tener curiosidad por la vida y ser inquieto. Explorar tu curiosidad y ver donde ésta te lleva. No tomarse a uno mismo demasiado en serio por favor, ello mata la creatividad (incluso esta entrevista me hace pensar que me tomo a mi mismo demasiado en serio).

Supongo que mi consejo va enfocado a que se expresen ellos mismos en la manera en que eso les realice. No te preocupes por seguir los pasos de otros artistas y no te hagas adicto a los elogios de los demás. Porque terminarás por intentar satisfacer al público y cambiará la intención por la que has creado algo. Lo que necesitas es crear para ti mismo, entonces el verdadero público te encontrará y permanecerá. “Si tú lo construyes, ellos deberán venir”.

 

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Si tu puedes encontrar la manera de encauzar todas tus experiencias y emociones hacia la creatividad, empezarás a apreciar esos momentos, aunque esos momentos sean duros. He tenido una vida muy dificil y una infancia complicada. Pero el dolor se convirtió en la musa para crear y lo que he creado se ha convertido a su vez en la musa para lidiar contra el dolor. Se trata de un círculo muy saludable que te sana. Por eso al final, tu arte no es solo una bonita pintura al óleo que alguien te compra para decorar su casa. Para ti, será un fragmento de tu viaje, y una prueba de que solo tus experiencias combinadas con tu mente y con tus habilidades podrán crear algo que no existía y ahora sí. El Arte cura.

 

Texto: Inéditad.

Fotografías vía https://www.instagram.com/bekzter/

 

 

 

 

 

Entrevista2: Silvia Lermo o como no imaginarse la vida sin el Arte

Breve info sobre su bio: 32 años. Nacida en Cádiz y residente en Málaga. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla. Inéditad tuvo la oportunidad de conocer en persona a esta artista, toda una virtuosa en la técnica de la acuarela, en la última edición de Hybrid Art Fair que tuvo lugar en Madrid. Allí descubrió no sólo el encanto y la afabilidad que desprende (que en los tiempos que corren no es poca cosa), sino su portentoso talento en la ejecución de su obra.

 

Actualmente es la protagonista de “Salitre” la exposición individual que durante este mes de mayo está teniendo lugar en el joven espacio malagueño Matraca Gallery .

 

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Todo un placer para Inéditad poder entrevistar a esta gaditana que rezuma arte por los cuatro costados. Hoy la artista invitada en el blog es Silvia Lermo:

 

I. – Silvia, ¿qué significa el Arte para ti?

S.L. – Todo, no imagino la vida sin el arte. Es algo que va dentro de mí, como mis sentidos, algo innato.

I. – ¿Cómo definirías tu estilo?

S.L. – No me gusta definirme en ningún estilo creo que mi pintura es muy personal, aunque tenga muchas influencias artísticas. Todo ronda en torno a lo más profundo de mi ser, acerca de quién soy.

 

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No concibo mi obra sin lo irracional y lo instintivo con lo cual, no concibo la vida sin el surrealismo, sin encontrar esas respuestas que nos hacemos para indagar en lo más profundo de nosotros mismos. En definitiva, necesito mi inconsciente para comprenderme en mi totalidad.

I. – ¿Cuándo comenzó tu relación con el mundo del Arte?

S.L. – Todo se remonta a mis primeros recuerdos de niñez. Desde pequeña me pasaba las horas dibujando fotografías en blanco y negro que veía en casa de mi abuela. Mi padre, gran aficionado al dibujo, solía pasar las tardes enseñándome a hacer retratos, sobre todo hombres con sombreros. Empecé a crecer y mi pasión por el lápiz y el papel siguió, tanto que todo lo que veía en revistas y libros lo pintaba.

 

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I. – ¿Con qué técnica te sientes más cómoda?

S.L. – La acuarela sin duda.

I. – ¿Por qué te decantas más, por el pequeño o por el gran formato?

S.L. – Me interesa más trabajar el gran formato, pero ahora mismo trabajo con ambos.

 

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I. – ¿Qué consigues expresar a través de los retratos?

S.L. – Mis retratos sienten la necesidad de trascender lo que casi no podemos explicar. El vacío, la melancolía, el abatimiento… momentos que hacen que se nublen nuestros sentidos, en los que los sentimientos traslucen una belleza inherente, y efímera. Secuencian momentos en nuestras vidas en la que parece que el aire no llega a los pulmones, instantes que estoy interesada en congelar para presentarlos al espectador y convertir ese desgarre, en caricia.

 

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La belleza intrínseca de cada sentimiento se ve reflejada en la expresión facial, la figura corporal, o la profundidad de una mirada, y rigen momentos cruciales de nuestras vidas. Los sentimientos nos hacen fuertes a la vez que vulnerables, dioses a la vez que mundanos.

I. – ¿De las obras o de las series realizadas hasta el momento, hay alguna de la que te sientas especialmente orgullosa? ¿Por qué motivo?

S.L. – ”Inmerso”, fue la primera obra que hice en gran formato, seleccionada en diferentes certámenes nacionales.

 

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Inmerso. Acuarela sobre papel

 

Le tengo un especial cariño, por el momento en el que me encontraba de cambios personales. La obra refleja situaciones extremas que nos ofrece la vida misma, limitándonos sin poder ver más allá, haciéndonos reflexionar sobre cómo ponerles fin.

I. – Silvia, ¿si te propusieran colaborar con un artista para llevar a cabo una obra conjunta, ¿a quién se te vendría a la mente?

S.L. – Mi admirado amigo Guillermo Martín Bermejo, trabajar con él sería un placer.

 

PalaciodePapel4 (1)

El espléndido palacio de papel de los peregrinajes infantiles (4). Obra del artista madrileño Guillermo Martín Bermejo. Lápiz sobre papel

 

I. – ¿Qué crítica harías sobre el mercado del arte contemporáneo en nuestro país?

S.L. – Creo que estamos viviendo un buen momento, lo tenemos difícil los que «acabamos de llegar» pero pocas cosas en esta vida son fáciles es cuestión de tener ilusión y no rendirse nunca.

I. – ¿Cuáles serían algunos de tus referentes?

S.L. – Es difícil seleccionar a un solo referente, tengo muchos y diversos, mi creación surge de unos parámetros figurativos y he crecido admirando a los clásicos como Egon Schiele, Toulusse Lautrec, Goya o Dalí. Otros referentes actuales con los que me emociono especialmente cuando veo sus piezas son Simón Arrebola, Ángeles Agrela o Paco Pomet.

También sigo muy de cerca a las artistas de mi generación, con muchas he tenido el placer de coincidir, pero destacaría la personalidad del trabajo de Guillermo Peñalver, Ana Barriga o Estefanía Martín Saenz.

 

Estefanía Martín Sáenz

Conviérteme . Acrílico sobre tela por la artista bilbaína Estefanía Martín Saéz

 

I. – ¿Qué obra de arte universal sería tu preferida y por qué?

S.L. – Cualquiera de Toulouse-Lautrec porque me emociona especialmente.

 

In Bed The Kiss Henri de Toulouse Lautrec

En la cama, El Beso (1892). Obra de Henri de Toulouse-Lautrec

 

I. – ¿Qué valor le das a las redes sociales? ¿tienes alguna de cabecera?

S.L. – Tengo casi de todo Facebook, Twitter, Instagram y Tumblr, digo casi todo porque tengo en construcción mi página web que estará lista a mediado de junio. Utilizo las redes para mostrar mi trabajo y darlo a conocer. Tanto Instagram como Facebook son ahora mismo mi agenda y mi memoria “online” con la que suelo trabajar a diario, consultar cualquier duda, ver la evolución de mi trabajo y visualizarlo de forma más directa. A veces es cansado tener que estar pendiente de las redes sociales, pero hoy en día es destacable la importancia que tienen. Es una manera de estar en muchos sitios, conocer certámenes y a personas como críticos, artistas y poder ver lo que se mueve en galerías o museos.

I. – A día de hoy, ¿en qué ciudad en la que aún no lo hayas hecho te encantaría exponer?

S.L. – Barcelona.

 

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I. – Si tuvieras que escoger una canción de fondo mientras pintas, ¿cuál escogerías?

S.L. – Turnedo de Iván Ferreiro. 

(Leer a partir de aquí la entrevista con Iván Ferreiro de fondo es mucho mejor, así que dale al Play):

 

I. – ¿Qué proyectos de futuro tienes sobre la mesa?

S.L. Mi principal proyecto es seguir teniendo cabida con mi pintura, tener experiencias nuevas como formar parte de alguna beca de residencia artística, ver mi trabajo en distintas ferias y galerías a las que admiro, pero sobre todo me veo trabajando como hasta ahora, pasando las horas en mi estudio sin perder la ilusión.

 

Silvia Lermo

 

Como seguro que quieres ver más trabajos de Silvia Lermo, Inéditad no te va a dejar con las ganas:

 

 

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Texto: Inéditad

Imágenes: Silvia Lermo 

Enlaces de Interés:

http://silvialermo.tumblr.com/

https://www.facebook.com/silvia.lermo

https://www.instagram.com/silvia_lermo/

https://twitter.com/SilviaLermo

https://www.matracastore.com/

http://www.guillermomartinbermejo.com/

 

Entrevista2: Asis Percales. Ser dibujante antes que artista.

 

Hoy Inéditad publica uno de los Entrevista2 que más ilusión le ha hecho. Realizado en colaboración con el fotógrafo Pedro Flores, nos hemos acercado hasta el barrio barcelonés de Poblenou donde se encuentra el espacio de creación de este artista e ilustrador granadino que ha sabido hacer de su oficio de dibujante un auténtico abanico de color, ironía y sarcasmo.

Todo ello a través de unos trabajos que nos hacen recordar la importancia de tomarnos la vida con una buena dosis de humor sin olvidar lo magnífico que puede llegar a ser el saber reírse de uno mismo.

Hoy en Inéditad el protagonista es Asis Percales. Dale al PLAY, porque seguro que te va a gustar:

 

Dirección, vídeo y edición: Inéditad

Fotografía y vídeo: Pedro Flores

Enlaces de interés:

https://pjfm82.wixsite.com/pedrofloresfoto

https://www.facebook.com/asispercales

https://www.instagram.com/asispercales/

Entrevista2: El ilustrador Fran Muyoz o como darlo todo.

22 años y con los ingredientes necesarios para triunfar: talento, tesón e ilusión. Una combinación perfecta para alguien que desde que se mojó los pies en la orilla del arte ha tenido muy claro que zambullirse en él era la mejor opción.

Hace unas semanas Inéditad le propuso a este infatigable ilustrador valenciano un tipo de entrevista diferente, algo así como una “selfie entrevista” en la que con móvil en mano tuviera la oportunidad de responder a todo aquello vinculado con su trabajo y con su pasión por el arte. Fruto de aquella insólita idea Inéditad ha editado este vídeo en el que además de poder ver y oír en primera persona muchos aspectos sobre su obra, se incluye en el mismo un breve repaso de su imparable trayectoria profesional. Hoy, con este Entrevista2 tan original y único,  Inéditad tiene el placer de presentaros al artista Fran Munyoz. Si estás buscando algo que te sorprenda, entonces ya estás tardando en darle al PLAY:

 

Edición vídeo: Inéditad

Imagen cabecera: Joako Palomar

 

Enlaces de interés:

https://www.instagram.com/franmunyoz/

https://tictail.com/s/franmunyoz

https://www.facebook.com/franmunyoz/

 

 

Entrevista2. Jean Carlos Puerto: «Para mí el arte supone el lugar donde yo me expreso».

35 años. Nacido en Caracas y residente en Murcia. El protagonista de hoy habría querido ser arquitecto o médico, aunque finalmente se decantó por la psicología, carrera que le apasionó y a la que incluso llegó a dedicarse profesionalmente. Sin embargo, el destino le tendría encomendada otra misión a la cual no podría negarse: ser un portento de la pintura. En dos años ha participado en varias exposiciones colectivas además de una individual, ha conseguido incluso diversos premios y menciones, entre ellos ser preseleccionado por la National Gallery de Londres por una de sus obras. El sueño de Jean Carlos Puerto está cada vez más cerca. Acompáñale en esta entrevista que Inéditad publica hoy en el blog y descubre la combinación perfecta entre talento y dedicación:

 

DE TU PUÑO Y LETRA:

I. – Jean Carlos, empezamos con una pregunta a priori sencilla pero que quizá su respuesta pueda resultar complicada. ¿Cómo se definiría profesionalmente Jean Carlos Puerto? ¿Y personalmente? 

J.C.P. – Bueno definirme profesionalmente implica dos ámbitos en mi vida ineludibles e inseparables: la Psicología y la Pintura.  En tanto que psicoterapeuta me defino  sistémico y creativo. Y  en tanto que artista  me defino inquieto, exigente  y claro con lo que quiero plasmar.  Personalmente me cuesta más , supongo que si le preguntara a mi gente más cercana dirían que son cariñoso, creativo y con carácter en las distancias cortas.

 

Hombre Pez II, 2015. Óleo sobre tabla.

Hombre Pez II, 2015. Óleo sobre tabla.

 

I.- No soy amante de poner etiquetas, aun así, ¿serías capaz de calificar tu estilo en una sola palabra?

J.C.P.- Ahí coincidimos  los dos, las etiquetas no me gustan  porque limitan lo que puedes llegar a ser, aún así creo que me enmarco en un estilo realista-figurativo (he hecho un poco de trampa poniendo un guión, son dos palabras, pero si quitara alguna de ellas no me sentiría del todo identificado).

 

"Selfie", 2015. Óleo sobre madera.

«Selfie», 2015. Óleo sobre madera.

 

I.- Ejercicio de memoria, ¿recuerdas en qué momento de tu vida decidiste volcarte en tu labor como artista? 

J.P.C.- Si, bueno quizá hay dos momentos claves que hicieron que me dedicara a la pintura. Uno de ellos fue el presentarle a Antonio López mi dossier para  participar en el III curso de figuración y realismo que él impartía en Almería. No me eligió y yo, ni corto ni perezoso, decidí acercarme para que me comentara qué le parecía mi obra en ese momento. Lejos de gustarle sus comentarios fueron bastante contundentes y duros, salí aturdido y perdido sobre qué hacer con mi obra. Le dije que no sabía qué pintar y él me dijo que pintara mi mundo, mis miedos y mis fantasmas,… Pasé varios meses con dolores de barriga, dudando si sería capaz de dedicarme a la pintura. Otro amigo artista, Cristóbal Pérez García, estuvo en el momento justo y en el lugar indicado para animarme a que siguiera pintando, sin importar mucho el qué. Así hice y pintando y pintando he abierto una cortina hacia mi mundo interior que a veces me asusta al pensarlo.

El segundo momento clave fue cuando al poco tiempo de lo que acabo de contar gané mi primer premio de pintura con la obra: “ la discapacidad del que mira”. Fue el pistoletazo de salida para un año lleno de selecciones y algunos otros premios que terminaron de reafirmarme en esta pasión.

 

"La discapacidad del que mira", 2014. Óleo sobre tabla.

«La discapacidad del que mira», 2014. Óleo sobre tabla.

 

Por cierto, por contarte cómo ha continuado la historia con Antonio López decirte que me presenté al año siguiente al IV curso de figuración y realismo y este año al V curso. En ambos me ha seleccionado para participar alabando y poniendo de ejemplo mi dossier.

 

I.- El encabezado de tu currículum dice: “Artista – Psicoterapeuta sistémico”. Jean Carlos, ¿en qué medida crees que tus estudios en Psicología han influido en el desarrollo de tu obra?

J.C.P.- No sabría decirte en un porcentaje cúanto, pero si te digo que mucho, muchísimo. He trabajado durante 10 años en psicología con  infancia maltratada y últimamente me he encaminado hacia la psicología sistémica familiar.  Pretender que no influya en mi pintura o buscar algo diferente a mi experiencia sería engañarme. Mi mundo es el mundo de la psicología, del inconsciente, de lo analógico y de la intuición. Me gusta contar historias y  aunque algunas obras, por ejemplo en la serie “bajo el agua”, pueden parecer más simples me gusta dejar abierto a la interpretación del espectador qué es lo que está pasando.

 

"Hombre Pez I", 2015. Óleo sobre tabla.

«Hombre Pez I», 2015. Óleo sobre tabla.

 

I.- Estoy convencido, y aprovecho el símil con el hecho de parir una criatura, de que cada vez que finalizas un trabajo lo llegas apreciar probablemente con el mismo cariño que al resto de tus anteriores creaciones; sin embargo, como ya has visto que me gustan las preguntas difíciles, ¿te atreverías a decirme de cuál de ellos te sientes especialmente orgulloso? 

J.C.P.- Bueno, la obra de la que más me gusta mostrar es la de “El Desayuno”, una obra que marca el camino de lo que me gustaría conseguir en mi serie más psicológica. Ha estado PRE-seleccionada en el BP award de la National Portrait Gallery de Londres. Llegó a viajar hasta el museo y logró quedarse entre los 250 primeras de 2700 obras que se presentaron en el 2016.  

 

"El Desayuno", 2015. Óleo sobre lienzo. Obra Pre-Seleccionada en el National Portrait Gallery Award 2016.

«El Desayuno», 2015. Óleo sobre lienzo. Obra Pre-Seleccionada en el National Portrait Gallery Award 2016.

 

CONTRA GUSTOS SI HAY ALGO ESCRITO:

I.- Sé que es complicado decantarse por uno, por eso te voy a pedir que selecciones a tres. ¿Cuáles serían tus tres referentes principales?  

J.C.P.- Cada vez que estoy más dentro del mundo de la pintura y conozco más artistas me es más complicado decantarme. Voy a obviar a grandes como Velázquez y Goya porque quizá todo el mundo está de acuerdo en su maestría y en lo que supusieron para la pintura. Fuera de ellos me gusta  me gusta Sorolla por esas obras en las que captaba la luz que hay aquí en el Mediterráneo,  Hopper por ese mundo de historias en las que te puedes “perder” y divagar, y  Andrew Wyeth por su tenacidad e integridad en una época en el que el posmodernismo estaba fagocitando cualquier otro tipo de arte y que gracias a artistas cómo él o como Antonio López el realismo sigue existiendo y teniendo valor en el arte actual.

 

Joaquín Sorolla, "Niños corriendo por la playa", 1908.

Joaquín Sorolla, «Niños corriendo por la playa», 1908.

 

Morning Sun Edward Hopper

Edward Hopper, «Morning Sun», 1952.

 

Andrew Wyeth, "Christina's World", 1948. Museum of Modern Art, Nueva York.

Andrew Wyeth, «Christina’s World», 1948. Museum of Modern Art, Nueva York.

 

Antonio López. Visión de la Gran Vía.

Antonio López. Visión de la Gran Vía.

 

I.- Si te preguntásemos por una obra artística de todos los tiempos que te maraville por encima de las demás ¿cuál es la que te vendría automáticamente a la cabeza?

J.C.P.- Sin pensarlo mucho me ha venido “Saturno devorando a su hijo” de Goya. Quizá tiene que ver con el hecho de que Goya fue un artista que pudo vivir de la pintura hasta el punto de poder hacer obras sin un sentido comercial , plasmando su mundo interior y más personal.

 

Francisco de Goya, "Saturno devorando a su hijo", pintura entre 1820 y 1823. Museo del Prado, Madrid.

Francisco de Goya, «Saturno devorando a su hijo», pintura entre 1820 y 1823. Museo del Prado, Madrid.

 

I.- Dinos por favor una ciudad que realmente te fascine. ¿Qué destacarías/recomendarías artísticamente hablando de esa ciudad? Recomiéndame también un local (bar/ restaurante) de dicha ciudad que desde tu punto de vista sea interesante conocer. 

J.C.P.-  Más que una ciudad voy a decirte un país, Islandia. Estoy enamorado desde que lo visité en enero de 2015. Son menos de 400.000 habitantes en todo el territorio, casi lo mismo que Murcia donde vivo, pero adoro su cultura en la que el arte está muy presente desde que son muy pequeños, ya sea en forma de música, pintura, cine,… quizá el hecho de pasar mucho tiempo en casa por las condiciones meteorológicas hace que dediquen mucho a su vida interior.

 En cuanto a recomendarte un local,… déjame pensar,….Ya, no es un bar cómo tal pero puedes tomarte una cerveza, un té o un chocolate caliente. Los islandeses tienen muy presentes en su vida el baño y la higiene, de hecho se reúnen después del trabajo en las numerosas piscinas y baños termales que hay a lo largo del país. Conocí una de la cual estoy fascinado y conserva el encanto natural de los baños sobre cómo tenían que ser en tiempos de los vikingos, se llama Secret Lagoon y es una pequeña piscina natural de agua caliente (muy caliente). Eso si, no olvides ducharte con gel y champú antes de entrar a la piscina, es una norma de carácter obligatorio para todos los visitantes. Un lugar con duende.

 

"Secret Lagoon". Manantial de agua caliente situado en la pequeña localidad islandesa de Fludir, dentro del área conocida como "Círculo Dorado".

«Secret Lagoon». Manantial de agua caliente situado en la pequeña localidad islandesa de Fludir, dentro del área conocida como «Círculo Dorado».

 

I.- Confiésanos una canción que te suba la moral (y mucho).

J.P.C.- A ver, soy mucho de ponerme el Spotify y según el ánimo que tenga me pongo un playlist u otro. Pero de las canciones que he ido escuchando hay una que me gusta mucho que se llama “Matadora” de Sofi Tukker. También hay otra un poco más comercial que me encanta que se llama “All of Me” de John Legend.

(¡Atención! :se aconseja continuar leyendo la entrevista dándole previamente al Play 😉

 

 

PORQUE TU OPINIÓN CUENTA:

I.- ¿Cómo definiría Jean Carlos Puerto el Arte?

J.C.P.- Hay muchos tipos de arte, pero si lo entendemos sin todo el circo que hay detrás para mi es  el lugar dónde el ser humano se escucha a sí mismo. Yo,  cómo psicólogo, estoy acostumbrado a escuchar a los demás, sus inquietudes, miedos y dificultades. Para mi el arte supone el lugar dónde yo me expreso.

 

"Disociación", 2015. Óleo sobre madera.

«Disociación», 2015. Óleo sobre madera.

 

I.- Decía Andy Warhol “El mejor arte es el de hacer buenos negocios”. ¿Qué opinas al respecto, puede un artista realmente vivir única y exclusivamente del Arte?

J.C.P.- Sin duda hacer negocios es un arte también y requiere de otras cualidades que la pintura no te aporta.

Es un tema muy complicado y  que todos los pintores anhelamos.  Vivir del arte es posible, conozco varios compañeros de profesión que así lo hacen, aunque en estos últimos tiempos, y especialmente en España, es una tarea ardua.

Cómo pintor tienes dos opciones.  Puedes adaptarte  a los gustos del mercado-demanda y haces algo parecido a lo que la tendencia global marca, corriendo el riesgo de no sentirte realizado cómo pintor o algo mucho peor: que tu obra ya no  es tuya 100%. Si haces lo que los demás quieren (por ejemplo una galería que te dice qué tipo de temática o qué tipo de pincelada está gustando más) al final la obra no te representa a ti sino a esa masa indiferenciada que es el mundo del comprador y de la galería. Pero también puedes hacer tu obra sin atender al mercado, corriendo todavía más riesgo de que no guste y no vendas pero te aseguras algo que yo creo que es primordial para cualquier artista: que la idea es tuya y representa tu mundo.

Yo quiero vivir de la pintura pero no estoy dispuesto a sacrificar  según qué cosas.  Quiero que mi obra sea auténtica, quiero que me represente, que cuente historias, que aporte algo diferente a la humanidad y que dentro de 100 o 200 años sea vista en museos.  Bueno, soy un poco soñador pero por soñar no se pierde nada ¿no?

 

"Hombre en la bañera I", 2015. Óleo sobre tabla.

«Hombre en la bañera I», 2015. Óleo sobre tabla.

 

I.- Jean Carlos,  ¿qué dirías a quienes opinan que el Arte está en peligro de extinción?

J.C.P.- Que el verdadero arte nunca va a desaparecer, que es algo inherente al ser humano y mientras que exista emoción existirá el arte.

 

Ecos de Poseidón. Óleo sobre tabla.

«Ecos de Poseidón». Óleo sobre tabla.

 

MIRANDO AL FUTURO:

I.- La pintura es tu técnica artística esencial. ¿Hay alguna faceta de Jean Carlos Puerto que nos quede todavía por descubrir?

J.C.P.- Pues mira, desde pequeño me gusta todo lo artístico, el baile, la interpretación,… pero hay un gusanillo por escribir que me está entrando aunque he de reconocer que le tengo mucho respeto, escribir bien es muy difícil. No lo sé   quizá me sorprenda dentro de un tiempo escribiendo algún tipo de ensayo sobre la pintura y la psicología, quien sabe!!??. Por ahora para expresarme disfruto y me basta con la pintura.  

 

"19 horas y 57 minutos". Óleo sobre lienzo perteneciente a la serie "19 horas".

«19 horas y 57 minutos». Óleo sobre lienzo perteneciente a la serie «19 horas».

 

I.- Háblanos por favor de tu(s) próximo(s) proyectos(s).

J.C.P.- Este final de año se presenta frenético para mi. Estoy preparando bastante obra porque viajaré en Noviembre de este año y en Enero del año que viene a un par de ferias de arte en Mulhouse y París. También participaré en la segunda edición de Sexposer en Suiza, a mediados de Octubre. Y por último ya he comenzado a plantear la obra para mi próxima exposición individual que será a mediados de Marzo del año que viene en Mazarrón, Murcia. Es lo que viene a ser un “no parar” pero así tiene que ser  si quiero exponer en Nueva York (esto último es un sueño, no un proyecto, pero nunca se sabe).

 

"El pasado puede ser maravilloso", 2014. Óleo sobre lienzo.

«El pasado puede ser maravilloso», 2014. Óleo sobre lienzo.

 

Muchas gracias Jean Carlos por tu tiempo y por conceder a Inéditad esta entrevista. ¡Estábamos deseando sumergirnos un poco más en tu universo! Muchísima suerte en tus próximos proyectos, ¡los sueños están hechos para vivirlos!. 

 

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Texto: Inéditad

Imágenes obras Jean Carlos Puerto: http://jeancarlospuerto.com/